Oasis - "(What's the Story) Morning Glory?"

Transcurría el año 1995 y la gente necesitaba un impulso, necesitaba emblemas, himnos para corear, un sentimiento en común, en resumidas cuentas la gente pedía a gritos unos Beatles modernos, y los candidatos perfectos eran estos dos hermanos Gallagher (Noel, Liam y compañía) de Manchester… Oasis. En 1994 habían estrenado su aclamado álbum ‘Definitely Maybe’ y hasta entonces lo único que se sabía de ellos era el lanzamiento de un single/b-side denominado "Whatever" el 19 de diciembre del mismo año. La prensa, las radiodifusiones locales y de todas partes del planeta los tenía en la mira, las multitudes andaban tras sus pasos, sabían que no eran una banda de un sólo disco o de algunos pocos singles, su engreída actitud los delataba.

Y así fue como Oasis lanzó '(What's the Story) Morning Glory?', un impecable álbum de doce decisivos y excelentes temas (dos de ellos instrumentales y sin título) que definieron su trayectoria y los consolidaron como la cara de una nueva generación en el rock británico y mundial, vendiendo alrededor de 18,5 millones de copias en todo el mundo. Era algo nuevo… pero no tanto, es decir no imitaban a sus recientes de los 80’s como el glorioso brit pop de Joy Division o New Order, si no que se iban más atrás, a la maravillosa generación del 68’, siendo a los Beatles, los Kinks o los Rollong Stones los invocados como principal guiño.

Tanto fue el éxito producido por Owen Morris, que pasó a ser el segundo disco más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido. No cabe duda de que este álbum marcó un antes y un después en la década de los 90’s.

Y es que en '(What's the Story) Morning Glory?', Noel Gallagher se desenvuelve tan bien en sus composiciones que resulta imposible no percibir la calidad de sus grandes éxitos. La vigorosa "Hello" da comienzo a lo que será un gran conglomerado de buenas melodías pop bañadas en rotundos riffs rockeros. Gracias a unos pegajosos guitarreos y unas frases sin sentido pero divertidas y acordes a los ritmos empleados, Oasis logra dar una muy agradecida abertura… es como una re-presentación… "Hola… otra vez, estamos de vuelta, esta vez para apuntalarnos de lleno".

La sigue "Roll With It", una tonada de rock 'n' roll puro con una nostálgica melodía vocal. Es como estar dentro de tu casa, en una fría tarde de invierno, viendo como la lluvia se desparrama en tu ventana. Este tema fue el segundo Single de la placa, lanzado el de 14 de agosto del mismo año. Muy buen tema.

El 30 de Octubre del 95’, Oasis lanza un perentorio tercer single… "Wonderwall". Si "Live Forever" era el himno del ‘Definitely Maybe’, no cabe duda que éste era el correspondiente al ‘(What's the Story)…’. Noel, compositor del tema –y de todos los demás del disco-, se inspira en su entonces novia Meg Mathhews -¿Estarán juntos todavía? ¡¿Quién sabe esas cosas?! O mejor aún… ¿A quién le interesa?- para dar forma a esta bella canción, que trata principalmente sobre el sostén mutuo en una relación, sobre apoyarse el uno con el otro: “Tú eres mi muro maravilloso”. Han pasado más de diez años y este tema se ha convertido en un verdadero neo-clásico. Hoy es visto por todos como un indudable emblema de la banda. ¿Quién no se habrá puesto romanticón o quizás presuntuoso y coqueto con Wonderwall?

El track número cuatro corresponde a "Don't Look Back in Anger" -cuarto Single lanzado el 19 de febrero de 1996-, hermosa balada rock interpretada por el mismo Noel. Cita el comienzo de la famosa “Imagine” de Lennon, quién además inspiró a Noel al extraer algunas frases como por ejemplo “Intentar comenzar una revolución desde mi cama” y cosas así. Pulcra tonada que representa paz y aconseja mirar hacia el futuro con una limpia sonrisa, sin arrepentirse de lo que ya está hecho, sólo seguir adelante con una especie de sosiego espiritual.

Quizás la menos sugestiva del álbum es "Hey Now!". Puede ser porque las demás pistas empañan la propuesta de ésta. Es que no tiene esos determinados roces memorables que en las demás canciones aparecen de forma más notoria –o quizás sí, pero no tan remarcados como las otras-. Dotada de buenas guitarras, posee un coro entrecortado de matizada adaptación en los tambores y un Liam chillando como de costumbre, imponiendo esa particular presencia. En resumidas cuentas un muy buen tema, pero se queda ahí no más, no llama la atención.

Llega el turno de la pista Nº 5 (sin título) y, de pasada, comienzan a sonar unos rockanrolleros compases pegajosos que te obligan a mover los pies casi por necesidad, con un fade-in y fade-out respectivamente, siendo el preámbulo del siguiente tema… "Some Might Say". Tomando prestadas algunas melodías y riffs a los Faces, Noel crea un excelente tema con destacadas armonías raspadas cantadas por Liam. "Desde un principio supe que este tema iba a llegar lejos, estaba segurísimo de que iba sería número uno… desde el momento que terminé de escribirlo", comenta Noel. Fue el primer Single del disco, lanzado el 24 de abril de 1995.

La magia de "Cast No Shadow" recae en su simpleza, su tranquilidad cadenciosa es lo que más da placer al momento de oírla. Muy bonita canción estructurada en tres bellos segmentos que resuenan magistrales en tu cabeza unavez escuchados. Noel propone el argumento de una depresión personal, dedicado a su gran amigo Richard Ashcroft (ex vocalista de la banda The Verve).

"She's Electric" fue la primera canción que escribió Noel para el disco, quizás él no le toma mucha importancia ahora, pero la verdad es que es un gran tema. Tiene aires a "Married With Children" del anterior álbum, pero sin duda, de quien se influencia notoriamente es de los Kinks más que nada. Liam eleva su voz y la baja atractivamente, mientras Noel juega con divertidos acordes y amenizados arreglos en la eléctrica. Genial tonada.

Estrepitosos sonidos de helicópteros abren el telón de "Morning Glory", y Noel desata una explosión de simples pero cabales riffs sobre una poderosa base rockanrollera con fragancia a Inglaterra. El genio Gallagher retrata una especie de procacidad acerca de las drogas invocando a los Beatles con la frase "Tomorrow Never Know" -canción compuesta a base de drogas-, uno de los temas favoritos de Noel. Canción recomendable.

Nuevamente los mismos arranques sónicos que sirvieron de exordio para "Some Might Say" vuelven a retumbar tras la intensa sensación que “Morning Glory” había plantado, esta vez con un relajante eco marino, simulando una inmersión dentro del mar, creando una atmósfera ‘playera’ -según mi percepción-, todo esto es parte -una pequeña parte- de una de las obras maestras del maestro -valga la redundancia- de Manchester… "Champagne Supernova". Esta épica muestra comienza con un suave ambiente británico –por donde se le mire-, para luego llegar al coro como un tremendo clímax. Una letra psicodélica –probablemente la más psicodélica de Oasis- se revuelca en espaciales cadencias e deslumbrantes adheridos encordados. Uno de los mejores momentos del disco, nada mejor para terminar semejante placa.

Después de este disco, Oasis llegó a la luna, dio vuelta el universo, tocó las estrellas con demasía y dejó anonadados a muchos que no prometían más de un disco. Lamentablemente no han podido superarse después de éste, editando fallidas discos que poseen uno que otro temón, pero nada más allá de eso.

Esencial álbum representativo de una generación en busca de nuevos Dioses, posiblemente –para entonces- encontrados en este excepcional trabajo.

Por Sebastián Chávez Peña






A las 4:16 PM, [Insert Author's False Name]

Muy buen texto sobre uno de los discos más importantes de los 90's. Sólo tengo unas cuantas observaciones: las dos canciones instrumentales sí tienen nombre, son fragmentos de "The Swampsong", que viene completa en The Masterplan; no mencionas que Paul Weller, el legendario guitarrista, compositor y vocalista de The Jam, toca la guitarra en "Champagne Supernova"; Noel Gallagher y Meg Matheews se casaron, tuvieron una hija y se divorciaron hace ya algunos años, pero como tú dices lo importante es la música; "Wonderwall" es la canción más famósa de Oasis, pero para nada es la mejor, checa los lados B; es cuestión de gustos, pero yo no diría que este es el mejor disco de Oasis sino Definitely Maybe que sí es un gran álbum seminal del britpop, para cuando sacaron su segundo disco a los Gallagher ya se les había subido mucho; creo que la intención es reseñar discos clásicos, pero en el caso de Oasis siempre se tiene que aceptar que sus lados B son mucho mejores que sus exitos, porqué no hablar de canciones como"Rockin' Chair", "Round are Way" y "The Masterplan" que viene en el sencillo de Wonderwall, "Step Out" del sencillo "Don't Look Back in Anger" o "It's Better People" que viene con "Morning Glory", que también fue sencillo.

Me encanta Oasis, de hecho en el soundtrack de mi vida la mayoría de las canciones serían de ellos, pero en realidad no es una gran banda, les fue bien porque entre ellos y Blur se hacían contrapeso en Inglaterra pues ambos representaban dos extremos de la sociedad, les fue bien en América porque con sus letras optimistas pero no estupidas le hacían contrapeso al grunge que para el 95 ya iba de salida luego de que se suicidara Kurt Cobain un año antes. Pero no, no son una gran banda, tal vez Radiohead lo sea, pero la sencilles de concepto de Oasis es lo que los hace irresistibles. Me da gusto leer esto, pero creo que se queda algo corto. Tienes algunos errores de dedo totalmente perdonables, eso a todos nos pasa pero de repente dificultan leer.

Keane - "Under the Iron Sea"

”¿Pero qué sé yo? ¿Qué sé yo?”, y en el fondo “¡No lo sé!”.

Es cierto, no lo sabemos, no sabemos donde estamos, ni donde podemos estar el día de mañana, o más bien, quienes somos. Son preguntas recurrentes de nuestra sociedad, la cual, afectada por el zumbido que provoca la ignorancia, solo queda profundamente aislada en el mar de la incertidumbre. Y es que es algo que esta junto a nosotros, algo que adquirimos al momento de nacer, el no tener la certeza de las cosas que puedan ocurrir, el conocimiento de los sucesos posteriores en nuestra vida, están plagados de misterio, un misterio que enriquece cada segundo que pasamos en esta tierra.

"¿Existe algo más macabro que la certidumbre?" "¿El conocimiento pleno?" "¿Pero qué sé yo? ¿Qué sé yo?” son las preguntas que escuchamos a diario, y son familiares, aparecen en los medios, en filmes, libros, pinturas, fotografías, escritas o habladas.

Hay música que no se escapa de poseer un lenguaje o pensamiento real, de tener un mensaje potente, guiado por los cuestionamientos oídos por los rincones del planeta.

“Convaleciente” o la también conocida “Bedshaped” nos susurra tiernamente esas interrogantes al terminar, es lo último que escuchamos de la mano de la británica banda heredera de los sonidos melancólicos, Keane, la cual no entrega claramente una declaración cerrada de su antes mencionada incertidumbre, no saber que hacer, no saber como será el futuro, o como es su presente (tomando en cuenta de que la grabación y aun mas, la composición fuese hecha antes de la entrega de la fama a sus pies) y así dudando de cuanta imagen apareciera en sus cabezas.

Keane no lo sabe, y nosotros menos aun, no sabemos que monstruo pudiese aparecer de su fantástico laboratorio en Hastings, pero sí sabemos que su capacidad de composición no puede ponerse en duda después de su aclamado álbum “Hopes and fears”.

Hopes and fears es un disco, simple, minimalista en estructuras y en letras, lo cual no me deja de impactar al momento de analizar cada uno de los innumerables arreglos musicales, que trasforman en piezas realmente orgánicas las composiciones del trío. Fue algo asombroso escuchar potencia viniendo de una banda que carece de guitarras aplastantes y resonantes, ya que todo lo que se escucha son pianos, teclados, sintetizadores, efectos, samplers, batería/percusión, bajos (programados, o tocados por invitados al parecer) y la energética voz de un carismático “gordito”, que estremece en cada palabra que expulsa. Muchos pensamos que el sonido de Keane era algo de laboratorio, y nos sorprendió en un recordado concierto a beneficio, y con el estandarte de la presión contra las potencias económicas mas importantes del mundo, luego, muchos pensamos que no podrían reproducir tantos efectos en vivo, y lo pudieron hacer en sus presentaciones en Londres, y Berlín, y para terminar, muchos asegurábamos, que de esa formación tan básica, o por decirlo menos, pobre, no podrían aparecer ni siquiera las primeras silabas de “Evolución musical”. Pues bien, quizás algo no calzaba.

Las últimas palabras, de tanto su último sencillo promocional, como las de su placa debut, no dieron a entender que solo el azar les quedaba a la banda, podía pasar cualquier cosa, podría ser una farsa, un fracaso, lo peor salido desde Inglaterra desde las Spice girls, o podría ser, la banda sonora del día a día de miles de seres tristes alrededor del planeta.

La evolución musical requiere cambios, cambios drásticos o solo cambios suaves, dentro de las estructuras, letras o composiciones en los nuevos trabajos. Son muchas bandas las que practican esta especie de “religión sonora”, las cuales, combinan sus capacidades musicales, con las sonoras, y las barnizan con sus neuronas a un nivel muy alto. Pink floyd, The Beatles, The doors, The Verve, Radiohead, Los Jaivas, Blur, U2, y muchas mas, son participes de esta notable senda.

Keane, dos años después de su primera placa, se hace acreedor del permiso para entrar en esta seudo religión, la cual nos ha traido sorpresas desde sus inicios, siendo fundamental los cambios sonoros dentro de sus armonias.

La banda británica, paso de ser un trío más en la escena melancólica, para convertirse en los niños exploradores de un campo compositivo muy distinto del prostituido “brit pop”.

Con su nuevo álbum “Under the iron sea”, queda en evidencia sus pretensiones como banda, logrando con esto el respeto de grandes agrupaciones como Radiohead, Travis, Sigur-ros, y Blur, (entre otras).

Resulta complicado clasificar a esta banda después de escuchar su más reciente trabajo, donde abundan las atmósferas, las complejas armonias, los arreglos vocales, y los contundentes golpes sonoros de cada instrumento, ya que lo que rodea al disco es una inmensa masa de sentimientos reprimidos, redondeados por una sólida temática, la opresión del ser.

Nos alejamos vertiginosamente del sentimentalismo barato rebosado en la música britanica de los noventas, para acercarnos a un punto donde la madurez se nota cada vez más.

Under the iron sea esta plagado de emociones oscuras y alegrías nostálgicas, todo bajo el sello que da la amargura del ser humano cuando no sabe que decir, no sabe que hacer, y menos, conoce su propio ser. Un ser humano, bajo un mar de hierro.



“Atlantic”, es el tema mas contundente y redondo del disco, una fuerza irreconocible en la banda, sonoridad de otro mundo, llevados por instrumentos que hacen de éste un nuevo Keane, mas constituido, mas alejado de la inmadurez del disco pasado.
Espectacular forma de empezar una nueva etapa, un nuevo álbum, un crecimiento.

Posee la frase cliché, “I don't wanna be old and sleep alone” (no quiero ser viejo, y dormir solo), lo cual nos declara de forma tajante que su fiel propósito es mantenerse, y mantenerse frescos, avanzando, y no hacerse viejo en el camino. Pudiendo ser ésta, una critica a las tan repetidas y llamadas “big band”, de solo vetustos y puristas músicos.

El segundo tema, “Is it Any Wonder?”, puede no estar a la altura del LP, ya que al parecer es un tema mucho mas pegadizo y fácil de digerir, con melodías coreables, y un sonido mas “manoseado” por otras bandas – Trayendo reminiscencias sonoras de temas como “Even Better Than the Real Thing” de la banda U2 – y con el esquema dispuesto a ser el numero 1 de los charts ingleses. Buen single.

“Nothing in my way”, Un extraño tema singleable, compuesto de la ya vista formación Piano, Bajo, Guitarra, Voz. Extraño, puesto, que se ve claramente, desde que se comienza a apreciar enteramente el disco, aparecen de forma sorpresiva, fraseos, a contratiempo, rítmicas en piano muy poco comunes, y lo mas valorable, juegos vocales, recurso no explorado hasta ahora por Keane. Si bien la banda esta compuesta por tres músicos, es éste el momento para mostrar que cada uno esta compuesto por un gran genio, sobretodo por su tecladista, Tim Rice-Oxley, ya que su trabajo se ve cada vez mas pulido con el pasar de los segundos en esta nueva placa. Interesante labor armonica y melodica.

La cuarta pieza del disco “Living so soon?”, está plagada de cambios metricos y melódicos, lo que la hace rica en musica e innovación, buenos cambios ritmicos, juegos bajo-batería, y armonias excéntricas desde un comienzo, todo esto, asegura: Keane busca crecer. Una linda canción, hermosa letra, habla muy bien de la banda, pero deja mucho donde dudar de su nuevo planteamiento ante la música.

“A Bad dream”, una de las piezas que mas asombran, hermosa en letra, y precisa, en arreglos instrumentales. Junto a “Atlantic”, (y otras mas) significan los mas grandes riesgos del disco, ya que de cierta forma , su textura, es algo mas frágil que el resto, pero su nivel de composición vocal y musical, sobresalen por mucho arriba de las propuestas de hoy en día. Es increíble escuchar, un solo de guitarra con tremolo en medio de la canción, cuando en realidad se trata nada mas que de su talentoso tecladista, utilizando a 100km/h sus manos sobre el piano, logrando un efecto inesperado, mientras todo esto es acompañado de un piano tocado por el vocalista, cosa no vista hasta ahora. Simplemente, increíble.

El track número 6, es tomado por la lánguida “Hamburg Song”, honesta, pero melosa. Solo teclados, piano y un “ride” (platillo) la constituyen. Es simplemente, el tema mas somnoliento del disco, quizás era necesario, por la “dosis energética” hasta ahora, lo cual crea un momento intimo, y da pie para escuchar parte del repertorio a continuación, más denso. A la vez, también, es posible, pensar que para algunos, este es el momento justo para ir a tomar algo mientras transcurre el tema, para, otros, es un descanso merecido, y para los que quedamos, un dulce y lindo caramelo. Preciosa, intima, delicada.

Definitivamente, llegamos a trabajo más pobre y burdo del álbum. “Put it behind you”, es sin duda, el tema “de más”, en este segundo trabajo. Su intento de ser rockero a la fuerza, lo hace caer por su propio peso. Solo cabe destacar la secuencia de acordes, fuera de lo común, que hace de este, un tema, “menos malo”.

Put it behind you, es seguida del escondido “The Iron Sea”, que son, solo sonidos sintetizados, para dar la sensación, de, aun que no te des cuenta, estar hundiéndote cada vez mas en ese oscuro mar, propuesto por la banda. Sonidos, antes oídos en Atlantic, que hacen ver, que entramos en la parte de más peso en el disco.

“Cristal Ball”, no es la canción con mas trabajo, pero sin embargo sirve para entrar en este nuevo mundo, de forma positiva y llena de energía. Es probable que esté puesta en este lugar, para crear conmoción, para decirte, que las cosas no son como parecen, que, después, de pretender algo más denso, solo debas quedarte con el intro del raro mundo de la banda.

El single seguro, nuevamente, recuerda a los irlandeses. Efectos implacables, letra un tanto cursi, pero certera. En pocas palabras, Buen sencillo, mala innovación.
Nos hundimos, en la parte mas madura, y es aquí donde empieza una nueva propuesta de esta banda.

“Try again”, no hay muchas palabras para describir, esta gran pieza musical, adornada con dulces, fraseos, tiernos sonidos derivados de un “rhodes” (piano), que hacen de esta, una intensa canción de cuna, reinvindicadora, después de cometer un terrible error “But I was made the way I am, I'm not a stone; I'm just a man”. “God I wish you could see me now”, palabras de un acabado, Chaplin.

Conmovedora, potente, aplastante, son calificativos para definir, la experimental “Broken Toy”. Un contundente bajo, junto a una semi-jazz, bateria, dan los toques mas llamativos de esta grandiosa pieza, la cual retocada con notas en piano, difíciles de seguir en un comienzo, la transforman en un bloque clave dentro de este edificio.

Y para terminar de una forma complaciente “The Frog Prince”, una linda tonada, algo, conocida (al oído), pero con una mira, distinta dentro de esta “nueva” banda. Se sienten atmósferas positivas, y agradables, un piano altamente predominante, y una estructura un tanto predecible, lo que hace de este un tema que, sin embargo careciendo de riesgos, conforta al oyente por su delicadeza compositiva y sutileza interpretativa. Un buen final, para un disco que trae un nuevo horizonte para la musica britanica, la cual se veía cada vez más alicaída desde hace años.



Keane, sorprende, y lo sabe hacer, con sus lindos movimientos sonoros y su innovación dentro de lo que se podría llamar un estilo ya masticado. Sin embargo, resulta chocante escuchar los temas del disco, y pensar, si la lista de canciones para ser editadas harían del álbum algo vanguardista o quizás uno comercial (gran duda), ya que es muy fácil diferenciar los temas que podrían ser singles, y los que – de forma apoteósica – sumergen sus efectos y sonidos retumbantes en un lance al abismo de la experimentación.

Un descanso y un alegría convierten el ultimo segundo del disco en algo eterno para quienes esperábamos solo escuchar una formula repetida y algo decadente para la banda Inglesa.

Una placa indescriptible, hozada, y ambiciosa, y con un carácter que solo me deja preguntando, ¿Esto es el comienzo de una carrera hacia la creación de una nueva época del arte conceptual? quizás es mucho decirlo, pero definitivamente, KEANE, SORPRENDE.

Sé que sólo estas durmiendo

Ayer se cumplieron 26 años de la muerte de John Lennon, y yo me pongo a reflexionar...

A veces los fans se esmeran en ver más allá de una estrella de rock, y se olvidan que estos Dioses –cómo los llamamos en ciertas ocasiones, cuando creemos que sus composiciones son tan extraordinarias que no comprendemos cómo un ser humano puede haber creado algo así- son también gente, personas como nosotros, así de simple y aunque no lo creas. Uno de esos fans fue Mark David Chapman, quién acabó con la vida de John a balazos.

Tiempo después de la muerte de Lennon, comenzaron las supuestas teorías que argumentaban los motivos del porqué Chapman había asesinado a Lennon. Se dijeron tantas cosas que al final cualquier hipótesis se volvió automáticamente controversial y poco creíble. Es por eso que me quedo con la que más me gusta de las numerosas presunciones pronunciadas anteriormente, la que explica la necesidad que tuvo Chapman de ser el último admirador en recibir un autógrafo del ex Beatles.

Noten la cara de maldad que pone Chapman al recibir el autógrafo, increíblemente alguien captó la imagen donde podemos apreciar claramente como este tipo completa su malévolo plan.

Se supone que este psicópata fue donde el John y le pidó su autógrafo, por supuesto, Lennon se lo dio y Chapman se fue tranquilo a su casa, para afinar los posteriores detalles… la preparación de su asesinato.

Si John Lennon estuviese vivo ahora, la historia sería distinta. Mccartney tocaría conciertos enteros junto a Lennon, y hasta grabarían juntos…y en una de esas Ringo también se se agruparía a ellos, no importa si lo hiciesen con motivo de la muerte de Harrison, o incluso antes de que falleciera el mismo, de hecho, junto a él, "Come Together!". Lo importante es que estarían juntos una vez más, y no sólo seríamos nosotros los beneficiados con magnífica reunión… ¡Imagínense que sentirían ellos! Por otra parte, la bruja de Yoko Ono, no sería tan bruja después de todo, pues Lennon estaría vivo y no tendríamos otro motivo más que el de haberse llevado a John de los Beatles para odiarla.

Lo que más impresiona es el grado de conciencia que aún perdura en el tiempo. Claro, ya que no hace mucho Chapman solicitó a los jueces nuevamente la libertad condicional, mostrándose arrepentido de sus actos cometidos hace más de veinte años atrás. A este pequeña gran sugerencia Yoko respondió sin tapujos que no le concedieran tal deseo, no por rencor ni nada de eso, pues lo hecho… hecho está, si no más bien por temor a que esta vez sea él el tiroteado.

Lennon una vez lo dijo: “I’m Only Sleeping”

26 años y todavía duele, y no dudo que en 26 años más nos siga doliendo. Pero los que aún sufren deben tener en cuenta que Lennon vivirá por siempre donde quiera que haya paz, de eso no cabe duda, pues es por lo mismo yo cada día me siento un poco más tranquilo y no se me ablanda el corazón al oír temas como “A Day in the Life”, “In My Life” y “Working Class Hero” o “Jealous Guy”… y como no… la más emotiva, la que siempre nos obliga a cuestionarnos la situación actual de los países que constantemente están en pugna, “Imagine”.

Feliz cumpleaños Señor Lennon, ahora puedes continuar ese dulce sueño con aroma musical en las nubes, donde quiera que te encuentres… pues tú muy bien lo dijiste una vez: “I’m Only Sleeping”.

Por Sebastián Chávez Peña

Todo el mundo habla de amor...

(21 de noviembre del 2004... Por Sebastián Chávez)

A veces pienso que al describir mis sentimientos, ya sean ocultos o expuestos, el resultado es algo repetitivo y poco luminoso. Y bueno, es obvio pues Neruda estrujó hasta la última gota de un sentimiento amoroso que pueda existir en una pareja, y los Beatles usaron tanto la palabra "Amor" que ya no queda espacio en nuestras mentes para poder apreciar las tristes y a la vez alegres historias que puedan existir hoy en algunas personas como yo, por ejemplo.

Muchos artistas han revolucionado más de algún corazón haciendo lo mismo... describir cuan grande es el amor que sienten, la belleza inimaginable de su amante, los amargos problemas que impiden estar con ella y todas las cosas que vienen después. Sin embargo, todo el montón de aventuras relatadas por estos grandes escritores y compositores han destrozado mi capacidad de expresar dichos sentimientos hacia el público, reteniendo mis experiencias y acumulandolas en mi interior hasta llegar al punto de sentir miedo de que alguien diga que yo estoy argumentando algo que Lennon, Dylan, Presley, Cash y muchos más ya hicieron hace mucho tiempo atrás, y que además Bono, Thom Yorke, los hermanos Gahllager, Damon Albarn, Billy Corgan, Damien Rice, Eddie Veder y Chris Martin entre algunos, hoy en día dicen lo mismo y a cada rato, siguiendo la misma línea e influencia.

Yo sé que ninguna historia de amor es igual (en eso tenía razón Robert Smith), pero... ¿De qué sirve decir te amo en una canción, carta, escrito o poema?, si la gente lo va a desechar inmediatamente... pero... ¡¡¡PORQUÉ!!!

La respuesta es sencilla... porque lo mismo dice en tantas canciones, poemas, cartas, avisos, letreros comerciales, tarjetas de amor, chocolates, camisetas, cuadernos, estampas, revistas, etc. Que hacen que un tan sincero y nacido del corazón "te amo" se hunda entre tanta publicidad y frías palabras sin impresiones verdaderas. Quisiera decir tantas cosas sobre el amor, cosas que a veces te impiden continuar tu vida normal y que por cualquier motivo culpas a la rutina de tu vida.

Pero viéndole el lado bonito a la cosa, siempre es bueno mantener esa emoción, que es tan tan tan grande. Esa que me mantiene vivo y hace que tenga sentido estar aquí… ahora, sentado en el computador escribiendo acerca de algo tan cursi (...).

No obstante, yo sé que a veces no se siente así, pero creánme que si lo piensan más de una vez, y dos y tres y muchas veces, sabrán que están en este mundo por algo... o por alguien […].

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Bueno, lo rescaté de un baúl virtual lleno de cyber-polvo, lo leí y me acordé de tantas cosas. De pronto... se me pasó por la cabeza compartirlo con ustedes.

Cambio de casa

Me cambié de casa, para los que leían Pantalla Muerta en blogspot, ahora lo pueden hacer en Wordpress, es más lindo. Por cierto, será exactamente lo mismo, el mismo contenido, las mismas opiniones... sólo que todo ahora es un poco más bonito...

Desde hoy Pantalla Muerta estará en la siguiente dirección:

http://pantallamuerta.wordpress.com/

Ya saben todos, los que aun visitan esta web... diriganse a la nueva dirección al tiro, nos vemos allá... Saludos.

¡ECOS DEL ROCK REVIVE!

Así es, Ecos del rock renace de las cenizas, esta vez decidida a perdurar en la red sin ser cruelmente abandonada por falta de personal. Muchos creerán que es ridículo hacer y deshacer blogs de esta manera, sin embargo hay que considerar que detrás de un blog se requiere tiempo y dedicación. Yo partí haciendo "Celz0mbie", mi blog personal dedicado a más o menos lo mismo que hacía acá en "Pantalla Muerta", cine, música y esas cosas. Luego, junto con Camilo, un amigo de mi carrera (periodismo), descubrimos que teníamos los mismo gustos musicales, y para de alguna forma practicar nuestra redacción al escribir, decidimos realizar un proyecto llamado "Ecos del Rock", dedicado al mejor pop rock de todos los tiempos. Así fue como no me quedó espacio para "Celz0mbie", y al final tuve que dejar botado el sitio. No lo he eliminado porque hasta el día de hoy todavía sigo sacando información de allí, críticas de pelis, discos, notas personales, etc. Lo mejor de todo es que después se fueron agregando "editores" a Ecos del Rock, con Camilo ya no estábamos solos, la página estaba creciendo, pero la desgracia no demoró en asomarse, y Ecos del Rock lentamente se fue quedando sin editores, por su falta de ánimo murió, claro... como no les pagábamos, sólo trabajábamos por amor al arte. Por obligación tuve que dejar de lado Ecos del Rock, admito que no podía estar atento a las noticias y a las reseñas de discos yo solo. Para calmar los nervios dejé de lado aquel web y me refugié en esto, Pantalla Muerta, un blog que ha sido del agrado de varios, me ha dado a conocer bastante en la red y por supuesto ha saciado mis ganas de publicar cada disparate que se me viene a la mente, acorde a la misma línea que acostumbre a seguir, cine y música.

Resulta que ahora hemos postulado un proyecto en la radio titulado Ecos del Rock junto a unos amigos, y nos abrieron las puertas inmediatamente. Es así como surgió la idea de rehacer un nuevo bog, esta vez con el auspicio de Wordpress. Junto con Mauro, Jorge y Chacho estamos dispuesto a rellenar de harta información el nuevo blog de Ecos del Rock, para quelos que alguna vez disfrutaron el anterior- (www.ecosdelrock.blogspotcom) que ahora murió, ya no existe, y si está vivo es por las mismas razones que sobrevive Celz0mbie- , lo hagan con mayor razón aun. El sitio de Ecos del Rock versión 2.0 es el siguiente:

http://ecosdelrock.wordpress.com/

Con respecto al destino de este blog, nadie lo sabe, ni siquiera yo, espero continuarlo si es que el tiempo es generoso conmigo. A los que acostumbraban a leer este blog mil disculpas, yo ahora tengo toadas mis ganas puestas en Ecos del Rock, además estoy escribiendo sobre cine para 192.cl, por eso mis dos pasiones se han divido en distintos blogs, todo lo que hacía aquí se fue para ambos sitios, así que no sé realmente lo que le depare a Pantalla Muerta...


De todas formas, si surge algo nuevo, como un nuevo sitio personal, algo así como fue en mis comienzos con "Celz0mbie.blogspot.com", les avisaré inmediatamente por todos los blogs posibles.

Saudos... ¡Y visiten Ecos del Rock!

Sebastián Chávez Peña

Animales a mano

Otra vez estar hasta tarde ha sido para bien y no para mal, como otros por ahí creen. Bueno, en esta ocasión me he topado con una web bastante interesante, se trata de personas que sólo con sus manos y un poco de pintura dan vida a toda una selva amazónica a todo color. De lujo...

Weblink: Animales a mano

John Carpenter y una de mis frases favoritas

"¡Un día sin sexo es un día perdido!".

Willem Dafoe ('Auto Focus')

'Driving Miss Daisy' (1989) de Bruce Beresford; sencillez en estado puro

Boolie Werthan (Dan Aykroyd) es un judío adinerado que maneja una gran empresa en Atlanta, Estados Unidos, en la década del 50’. Un día, su madre, Daisy Werthan (Jessica Tandy), comienza a tener problemas con su auto, ya que por la vejez no puede manejar como antes, ni siquiera sacar el vehículo de la casa. Es por esto que Boolie decide contratar a Hoke Colburn (Morgan Freeman) –un educado afro americano de edad- como chofer personal de la señora Daisy. Pero ella se niega a servirse de las asistencias que humildemente Hoke le otorga sólo por 7 dólares a la semana.

Durante el transcurso de la película la señora Daisy y su chofer Hoke, sin darse cuenta entablan una valiosa relación de amistad que lentamente se va haciendo más y más fuerte, perdurando por muchos años.

En un comienzo, Morgan Freeman le manifestó a Bruce Beresford, director de la cinta, que era estúpido llevar a la pantalla grande una historia acerca de un negro añejo y una anciana judía. No se imaginó nunca el impacto que dicha cinta causaría en la industria cinematográfica, resultando ganadora de variados galardones, tales como: mejor película, mejor actriz principal (Jessica Tandy), mejor maquillaje (Manlio Rocchetti, Lynn Barber y Kevin Haney) y mejor guión adaptado (Alfred Uhry) en los Premios Oscar, y además triunfando en los Globos de Oro, obteniendo tres galardones (mejor película musical o de comedia, mejor actor principal: Morgan Freeman y mejor actriz principal: Jessica Tandy… nuevamente) y muchos premios más en otros festivales.

Esta absorbente historia que mezcla comedia y drama de manera sutilmente calibrada, proviene de un guión fabricado para una obra teatral, escrito por el mismo Uhry, quién además se encargó de adaptarlo para el cine. Uhry se hizo tan famoso con este título que llegó a ganar el Premio Pulitzer para obras dramáticas. Y no está demás recalcarlo, pues el relato impactó de sobremanera en lo más profundo del público.

Una conmovedora historia que se desliza por la simplicidad de calidad, rozando incluso aspectos de valor social, como por ejemplo el racismo y la relación humana retratada de manera particularmente enternecedora. Sin grandes tumultos escenográficos se retrata las décadas pasadas, y el resultado se eleva a la altura de la narrativa, gracias al tremendo impulso interpretativo que alcanza Freeman, en uno de los mejores papeles de su vida, sin olvidarnos de la fallecida Jessica Tandy, quién plasma el peso de la edad de manera espléndida, tanto física como psicológicamente.

Un film que hay que ver. De esos que se contemplan con suavidad, con fina determinación, café caliente en mano, y mucho frío en alrededor. Esta es una película de otoño, para verla con la familia. Muy linda.

Por Sebastián Chávez Peña

Blogs amigos

Me alegra mucho decir que mis amigos se han modernizado de alguna forma -eso va para Jorge- y han optado por incursionar en esto de los blogs. Lo que más me agrada de todo este cuento, es que no son blogs para matar el tiempo y subir tonteras. Me refiero a blogs hechos y derechos, con contenido y entretenidos. Por ejemplo: Nicole, el amor de mi vida, tiene su mandarina mecánica, donde publica variadas cosillas raras, al igual que yo. Ella se pasea por traducciones de artistas que nos gustan, fotos caseras y opiniones personales al respecto, sobre la vida, películas, discos y mucha cultura popular. También está Mauro, mi buen amigazo que las lleva con su Rock and Links, excelente título del cuál ya me encargué de opinar al respecto. En este blog te puedes descargar de forma directa el disco que quieras, sólo tienes que escribirle goble_mauro@hotmail.com y hacer el pedido, este loco busca el álbum y lo publica. Y por último, el blog más esperado por los fanáticos de los melenudos de Liverpool, The Beatles "Historias no Contadas", un sitio web en formato blog obviamente donde encontrarás anécdotas nunca antes mostradas ni en la televisión, ni en la Internet ni en la radio ni en ninguna parte, sólo en el sitio de Jorge.

Bueno, la raja, ahora falta que mis demás amigos se hagan blogs para formar una comunidad bloggeira, con distintos temas y muchas entradas interesantes. Saludos.

Nirvana - 'Nevermind' (1991)

Ya todo se ha dicho de este disco, así que me reservo los elogios. En todo caso creo que a la gente se le pasa la mano, porque el 'Nevermind' es un disco re bueno, tremendo, pero no es para tanto tampoco. Si tuviese que elegir un disco que representase los 90's yo me quedo definitivamente con el 'Mellon Collie and the Infinite Sadness' de los Pumpkins. Lejos el mejor disco -doble- de la década pasada. En segundo lugar esta genial obra de Kurt, Novoselic y Dave Grohl.

Weblink: Descargar Nirvana - 'Nevermind' (1991)

Beatles - 'Love' (2006)

Yo a este disco no le tuve mucha fe cuando salió. Pensé: ¡Whuá! Otro sucio método de la Yoko por tratar de ganar plata a costa de su difunto Lennon. Lo admito.

Un buen día, un amigo -Camilox- me lo mostró en mp3. Lo escuché junto a otro amigo -Jorge- y simplemente alucinamos. Un exquisito repaso por algunos -sólo algunos- de los mas grandes temas que a diestra y siniestra los fab four editaron desde 1964 hasta 1970. Tanto influyó en nosotros, que mi buen amigo Jorge tuvo que correr a comprárselo original inmediatamente. Suertudo es el que trabaja adolescente, soltero y sin hijos... suertudo.

¿Porqué estoy hablando de Beatles ahora? Bueno, resulta que mi buen amigo Mauro se ha creado un nuevo blog, llamado Rock and Links, un sitio donde puedes descargarte los mejores discos vía rapidsahre, megaupload, badongo, etc. El blog es nuevísimo, y sólo tiene una entrada, y en esa entrada te puedes descargar el disco. Mira que bonito ¿no?

Por cierto, me gustó tanto el título 'Rock and Links' que se me le ocurrió la idea de crear una etiqueta con el mismo nombre, así en vez de subir mis discos, escribo sobre los discos que este loco sube y me ahorro de subir discos míos o... hacer otras cosas.

Weblink: Descargar beatles - 'Love' (2006)

Trailer de 'Sunshine'

Qué más puedo decir, todo ya lo dije ACÁ, no más agregar que la música es la misma que aparece en la cinta 'Requiem for a Dream'.

Trailer acá abajo:

El círculo perfecto

Alexander Overwijk es el autor del círculo perfecto, puede crear un preciso aro redondo en menos de un segundo. Overwijk además es campeón indiscutible del «concurso de dibujar círculos perfectos en pizarras». ¡Vaya técnica!

Macropupilas

Algunos creen que no vale la pena estar navegando por la Internet hasta tarde, yo no creo lo mismo, y más aun si me encuentro con esta fenomenal web, repleta de macro fotografías hechas a insectos y sapos, resaltando finamente los hermosos colores que estos bichos poseen. Nuevamente la naturaleza me sorprende...

Weblink: Macropupilas

Donnie Darko (2001) de Richard Kelly; si de repente fuese el fin del mundo

De vez en cuando aparecen ciertas películas que hablan de esos temas que a uno tanto llaman la atención, como viajar en el tiempo o el fin del mundo. No obstante, suele ocurrir que casi siempre nos encontremos frente a una súper producción desde Hollywood destinada a recaudar mucho dinero y argumentar muy poco contenido […]. 'Donnie Darko' es un caso contrario, es distinta. Posee bastantes interrogantes implícitas dentro de un conjunto de situaciones, que a la larga colapsa en nuestra reflexión más profunda y nos deja un espacio libre para interpretar de cualquier forma lo que acaba de ocurrir delante de nuestros ojos.

Richard Kelly forja un excelente comienzo, pues este es su primer trabajo como director en un largometraje. El tipo escribe bien. Ha hecho unos cortos para nada malos. En sus capacidades abunda la dinámica ocurrencia; ya era hora de mostrar lo suyo. Y le fue bastante bien, pues la película obtuvo una larga lista de premios y nominaciones en numerosos festivales de cine fantástico e independiente, entre ellos el Premio al Mejor Guión en el Festival de Cine Fantástico de Sitges del 2001 y, sin lograr una gran recaudación, obtuvo un merecido prestigio entre los fans de este mismo género.

La historia, estructurada en juegos del tiempo y el espacio que se entrecruzan, tomando extractos netamente psicológicos, ha impresionado a un público abierto, que ha catalogado la cinta como una sesión de culto. Compleja e inteligente, dicha narrativa sirve como escape de la realidad y toma como fondo ambiental la década de los 80’s, en un estado lleno de sorpresas, dónde nada es lo que parece. El extraño y perspicaz sentido del humor que adopta en ciertas ocasiones la película, crea un aire de simpatía hacia el espectador, que se disuelve con las inauditas condiciones que Jake Gyllenhaal - protagonista-, sufre durante los 122 minutos que dura el film. Llena de psicodelia añeja, se contempla acorde con los diálogos, personajes y contextos en esencia, algo así como pensar que aquello nunca ocurriría en nuestros días.

Se presenta a la familia Darko como un estereotipo americano, donde nada extraño ocurre y todo es relativamente perfecto. De pronto, las cosas comienzan a tornarse gris en cierto modo, y las impresiones van cambiando a cada minuto. El resto del reparto -Jena Malone, Beth Grant, Patrick Swayze, Mary McDonnell, Etc.-mayoritariamente, está muy bien, cada personaje aporta lo suyo para complementar los trozos que uno a uno se estructuran circunstancialmente, dando forma a un relato completo y satisfactorio a grandes rasgos.

Jake Gyllenhaal aparece increíble, con una audaz interpretación refleja fielmente la depresión juvenil que se acostumbra a ver en los chicos norteamericanos a esa edad con un certero toque permanente de esquizofrenia paranoica, que adhiere credibilidad y coherencia en variados aspectos. Con el personaje de Donnie, Gyllenhaal fue nominado para el Independent Spirit Award como mejor actor. La actuación de este como un muchacho perturbado y demente le otorgó buenas críticas y le ayudó a conseguir más popularidad dentro del mundo del espectáculo.

La inclusión del texto LA FILOSOFÍA DE LOS VIAJES EN EL TIEMPO de Roberta Sparrow, es definitivamente un gran punto a favor, ya que además de servir como referencia para Kelly, al escribir y comenzar toda una aventura dónde el plato fuerte recae en las dimensiones paralelas y los portales del tiempo, se nos muestra al personaje de la “Abuela Muerte”, quien supone ser Roberta Sparrow.

Si no fuera porque en ciertos instantes se solidifican algunas escenas sobre complementándolas con música de The Cure, Joy Division, INXS, Tears For Fears o Echo & The Bunnymen entre otros – en general, bandas adecuadas a finales de los 80’s, que por lo mismo no dejan de ser excelentes-, dando la impresión de ser mini “videos clips”, dentro de la misma película, tendría la puntuación más alta, pues de alguna forma detienen la locomotora del concepto, y atrasan la idea de avanzar con el argumento de la historia. Pero este detalle se vuelve diminuto si se conserva los atributos primarios y se mantiene constante la idea madre del largometraje.

Un neo-clásico del cine independiente, 'Donnie Darko' es la clave para entender lo desconocido, involucrarte de lleno en una misteriosa filosofía sobre lapsos desorbitados que vienen y van sin rumbo fijo. Recomendable sin duda; largometraje infaltable en la filmoteca de un verdadero amante del séptimo arte […].

Por Sebastián Chávez Peña

"Para estar en ti"... Vol. 1

"Para estar en ti" fue una idea que se me ocurrió a mí solito. Tenía ganas de hacerle un regalo a mi novia, y no tiene nada que ver con que me haya regalado una polera la raja de los Stones, si no más bien por el hecho de que hay tanta música que me recuerda a ella, que me resulta alarmante el hecho de que una no la conozca. Es mi obligación enseñarle aquellas bandas que sé que al escucharlas, aparte de que le van a encantar –estoy seguro-, se va a acordar de mí, de la misma manera como yo me la paso pensando en ella cuando reviso temas de Frou Frou, Belle & Sebastián, Iron and Wine, The Decemberists y un largo etc. Bueno, para ello he decidido hacerle compilaciones en CD de 13 temas (13 es mi número favorito) repasando canciones de variados artistas, por cada banda un tema por disco. Entonces ese es mi propósito ahora… y quiero enseñarles cuales fueron los temas seleccionados para el Vol. 1, y cuando fabrique el Vol. 2 también lo publicaré y así sucesivamente. Por cierto, ella se puso re feliz cuando supo mi propósito.

"Para estar en ti"... Vol. 1

01; "(I can't seem to) make you mine" de The Clientele


02; "writing to reach you" de Travis


03; "There is a light that never goes out" de Smiths


04; "He lays in te reins" de Iron and Wine


05; "Cámara lenta" de Javiera Mena


06; "Shankill butchers" de The Decemberists


07; "Coconut skins" de Damien Rice


08; "I feel like going home" de Yo La Tengo


09; "Catch the wind" de Donovan


10; "Cayman islands" de Kings of Convenience


11; "It's good to be in love" de Frou Frou


12; "The blue" de David Gilmour


13; "This never happened before" de Paul McCartney


Espero que te gusten Nicole...

Salad Fingers - 'Cage' (Episodio 4)

Vuelve la extraña pero encantadora criatura verde, esta vez quiere ir a Francia, sin embargo, un aterrador pequeñín se enamora de él, impidiendo cumplir su viaje... ¿Podrá Salad viajar a Francia? descúbrelo en el link de abajo...

Weblink: Salad Fingers - 'Cage' (Episodio 4)

También puedes ver los capítulos anteriores acá:

Salad Fingers - 'Nettles' (Episodio 3)
Salad Fingers - 'Friends' (Episodio 2)
Salad Fingers - 'Spoons' (Episodio 1)

Las mejores fotografías del 2006 tomadas por la revista Vanity Fair

La revista Vanity Fair se ha tomado la molestia de recopilar las mejores fotografías del 2006. Yo me quedo con esta hermosísima imágen de Natalie Portman bañada en un atmósfera añeja que rodea su fresca piel. Pero igual hay otras que están de pelos, como por ejemplo una donde sale George Clooney dirigiendo una peli de sirenas u otra donde aparece Angelina Jolie, de espaldas y muy sexy exhibiendo sus tatuajes en la bañera.

Para ver todas las fotos revisen este enlace y analicen con sumo cuidado las 33 diapositivas que allí aparecen, puro arte de calidad, espléndido, fotografías de fina sutiliza con fotógrafos de la talla de Annie Leibovitz. Échenle un vistazo y no se arrepentirán.

Saludos.

Jake Gyllenhaal interpretando una escena de 'Dreamgirls'

Buenísimo. Este tipo es asombroso, no lo debería decir yo, pero bueno... las cosas como son...

'Stupeur et Tremblements' (2003) de Alain Corneau; otra fascinante mujercita francesa llamada Amélie

De verdad es desconcertante saber que existen tantas películas buenas en la vida y uno a veces ni siquiera se entera de su presencia. Esto pasa la mayoría de las veces con el cine independiente, y más aun si hablamos de films extranjeramente internacionales. ‘Stupeur et Tremblements’ es el mejor ejemplo para reafirmar mi argumento. Y es que la película de Alain Corneau es tan mágica como la misma ‘Amélie’ de Jean-Pierre Jeunet, quizás por el nombre… quizás por el idioma, que sé yo. Así como Amélie Poulain fantasea con su entorno ultra francés, la protagonista de esta película -que por cierto también se llama Amélie- se figura imaginativos pensamientos con asombrosas frases filosóficas extraídas de la vida misma, eso sí, relativas a un entorno oriental. Hasta el momento esto puede sonar absurdo, pues ustedes dirán “qué tienen que ver los asiáticos acá”. Mucho... Yo les responderé con la trama…

Esta genial película está basada en el elogiado libro autobiográfico del mismo nombre, que escribió la verdadera Amélie Nothomb, es decir, estos son hechos reales que vivió una mujer muy anormal, con una entelequia infinita manoseada hasta en momentos inimaginables.

Una vez egresada de la Universidad de Bélgica, Amélie regresa a Japón para desempeñarse laboralmente en territorio nipón, ya que desde pequeña se lo prometió a sí misma volver allí algún día. Ya en la ciudad, comienza su carrera profesional en una gran empresa, donde poco a poco descubre la competitividad de los asiáticos por desempeñar sus destrezas en el comercio, las humillaciones comparativas y la obsesiva tendencia de los orientales a producir más que el resto del mundo. Pero Amélie no se rinde tan fácilmente, y de manera irónica y a la vez mágica nos relata perspicazmente como logra sobrevivir en semejante infierno, con una comedia divertidísima, no de esas que están echas para reír y punto, si no que más redonda, “cabezona”, con pizcas de drama y por sobre todo mucha pasión en las palabras.

La manera en que Corneau formula el escenario japonés y a su vez, la propia Nothomb retrata a los personajes asiáticos, resulta bastante fidedigno y más cercano –por muy lejano que esté Japón-, todo un punto a favor para la cinta, ya que sirve para adoptar cierta perspectiva y concentrarnos más en las entretenidas ocurrencias de Amélie. Casi siempre en las películas que ahondan temáticas similares se retrata exageradamente el mundo oriental, generalmente con sus héroes excesivamente falsos, casi sacados de una serie animé. Quizás eso sea del gusto de muchos –y me incluyo-, pero créanme que cuando aparece una comedia que no usa esta técnica, resulta ciertamente admirable.

Sylvie Testud interpreta maravillosamente a la carismática Amélie, con su aspecto pelirrojo y muy europeo, creando una especie de desprecio visual en plena multitud de ojos achinados. Con un excelente manejo del idioma francés y japonés, Testud se representa casi así misma con este excéntrico papel, se nota de lejos.

Recomiendo a quienes están aburridos de los iterativos “madafaka” y los “wasgoinon” Hollywoodenses ver este fenomenal film, con esta interesante propuesta de “choque cultural” entre la joven belga Amélie y los amos del mundo ejecutivo.

Por Sebastián Chávez Peña

Los premios Golden Globe Awards

Ya se han elegido los premios Golden Globe Awards, y acá es la prensa cinéfila la que vota. Estos son muy importantes, pues casi siempre la mayoría de las veces son los mismos nominados para el Oscar, la diferencia está en los ganadores. Esta vez, el premio a mejor actor recayó en Forest Whitaker con su actuación en la película ‘The Last King of Scotland’, así que sí o sí debe ser DiCaprio en los Oscars, por su genial papel en la cinta de Scorsese, 'The Departed'. Acá van los ganadores más importantes con los respectivos nominados ...

MEJOR PELÍCULA...

'Babel' (2006) ¡GANADORA!

'Bobby' (2006)

'The Departed' (2006)

'Little Children' (2006)

'The Queen' (2006)

MEJOR DIRECTOR...

Martin Scorsese por 'The Departed' (2006) ¡GANADOR!

Clint Eastwood por 'Flags of Our Fathers' (2006)

Clint Eastwood por 'Letters from Iwo Jima' (2006)

Stephen Frears por 'The Queen' (2006)

Alejandro González Iñárritu por 'Babel' (2006)

MEJOR ACTOR PRINCIPAL EN DRAMA...

Forest Whitaker por 'The Last King of Scotland' (2006) ¡GANADOR!

Leonardo DiCaprio por 'Blood Diamond' (2006)

Leonardo DiCaprio por 'The Departed' (2006)

Peter O'Toole por 'Venus' (2006)

Will Smith por 'The Pursuit of Happyness' (2006)

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN DRAMA...

Helen Mirren por 'The Queen' (2006) ¡GANADORA!

Penélope Cruz por 'Volver' (2006)

Judi Dench por 'Notes on a Scandal' (2006)

Maggie Gyllenhaal por 'SherryBaby' (2006)

Kate Winslet por 'Little Children' (2006)

MEJOR ACTOR SACUNDARIO...

Eddie Murphy por 'Dreamgirls' (2006) ¡GANADOR!

Ben Affleck por 'Hollywoodland' (2006)

Jack Nicholson por 'The Departed' (2006)

Brad Pitt por 'Babel' (2006)

Mark Wahlberg por 'The Departed' (2006)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA...

Jennifer Hudson por 'Dreamgirls' (2006) ¡GANADORA!

Adriana Barraza por 'Babel' (2006)

Cate Blanchett por 'Notes on a Scandal' (2006)

Emily Blunt por 'The Devil Wears Prada' (2006)

Rinko Kikuchi por 'Babel' (2006)

Para ver el resto de los premios de la Golden Globe Awards, échale un vistazo a la IMDB...

Seré parte del staff de 192.cl/blog

Así es, pues me ha llegado un correo del director de 192.cl/blog invitándome a participar en el mismo sitio. Vio mi blog y creyó que yo era la persona indicada para hablar de cine en dicho espacio. Claro, o sea tengo que escribir sobre lo que más me gusta hacer en este blog, puro cine. Lo bueno es que podré subir mis críticas de films, es decir mi propia percepción de las películas que he visto y analizado. Ya les he enviado un artículo de mi propiedad, aquel que habla sobre el Póster y Segundo Trailer de ‘Hannibal Rising’. Lo mejor es que lo han subido inmediatamente, así que lo pueden ver haciendo click acá.

Nuevos posters de 'Pirates of the Caribbean: At Worlds End'

En el sitio Ain´t It Cool News ya han publicado algunos posters nuevos de ‘Pirates of the Caribbean: At Worlds End’, la tercera aventura de Jack Sparrow y compañía, dirigida nuevamente por Gore Verbinski y prevista para el 25 de mayo. Están buenos... pero esta película nunca me llamó la atención... y nunca lo hará.

'World Trade Center' (2006) de Oliver Stone; Un poco más que petulante patriotismo

Nueva York, 11 de septiembre del 2001. Dos policías pertenecientes a la Autoridad Portuaria de la gran ciudad, John McLoughlin y William Jimeno, quedan sepultados bajo los escombros del World Trade Center, tras intentar evacuar gente de una de las dos torres impactadas. Oliver Stone relata la tragedia que marcó la vida estadounidense y al mundo entero, resaltando un punto de vista más psicológico de la desdicha americana, centrándose en la vida personal y conyugal de los dos uniformados.

La trama de 'World Trade Center' reúne el dramatismo puntualmente en las parejas de estos dos valientes héroes, ya que la perseverante lucha por no perder los nervios ni las esperanzas se personifica en el papel de Donna McLoughlin y Allison Jimeno, dos mujeres que, paralelamente, deben soportar la larga incertidumbre que conlleva saber el estado de sus maridos.

A través de las experiencias personales que vivieron y compartieron John McLoughlin, su esposa Donna McLoughlin, William Jimeno y su señora Allison Jimeno, la inhábil escritora de guiones Andrea Berloff redacta esta espesa historia no muy fácil de diluir, que el aclamado (últimamente ni tanto) Oliver Stone se encarga de dirigir, poniendo todo de su parte para sorprender a un público más gringo que “mundial”, pero aportando sus mejores intenciones y expresiones ambientales que, aún así, no deja de lado ese tedioso fervor por lo propiamente gringo, nada raro en este tipo de cine.

El comienzo de la película es notable. Los primeros 60 minutos están más que bien logrados, pues los hechos fluyen como corresponden, no se centran tanto en lo que todos hemos vistos una y otra vez en la televisión, y con esto me refiero a la imagen de los aviones estrellándose en las torres y los pedazos de cemento cayendo desde el cielo, llenos de polvo; creo que en ese sentido Stone evitó caer en el popular convencionalismo pronosticado más de alguna vez. Además, es en los inicios de los acontecimientos donde se instala un poderoso enganche para el desarrollo posterior.

Lástima que todas esas expectativas que se pintan muy lindas en la apertura de la cinta decepcionen rotundamente minutos después, pues es en la mitad de la película donde reincidan sus fallos más notorios, para luego rematar con un final que vuelve a la tendencia del comienzo. En el cuerpo de esta cinta abundan escenas repetitivas, diálogos sin sentido que están de sobra, intentos desesperados por producir una emoción forzada, tanto para nosotros como para ellos mismos (los personajes), y por sobre todo un lentísimo ritmo que definitivamente no debería haber aparecido en una situación como la de acaecida por los protagonistas.

Stone siempre exprime todo el potencial de sus actores, independientemente si sus películas sean buenas o malas. En ‘World Trade Center’ quizás la palabra “exprimir” no sea la adecuada, pero sí las interpretaciones satisfacen las expectativas. Nicolas Cage (como John McLoughlin) y Michael Peña (como William Jimeno) están bien, aceptables. Sus actuaciones se basan más en imitar la manera en que vive un policía común y corriente a demostrar lo buenos que son en la actuación, especialmente el gran Cage. Con Maria Bello (como Donna McLoughlin) y Maggie Gyllenhaal (como Allison Jimeno) se nota más en la expresión tácita del desenvolvimiento exegético, como mujeres de casa tan aferradas a sus parejas que ni el derrumbamiento de las dos torres más grandes del país les importara más que la posible muerte de sus respectivos maridos. Esto porque, como mencioné anteriormente, el film gira entorno a una temática psicológica, un punto de vista más íntimo. Es por esto mismo quizás que el atentado del 9/11, en esta película, lo vemos sólo como un escenario para contar una historia de esperanza, solidaridad y grandes corazones.

Con respecto a la impresión visual de la película, es necesario recalcar escenas que se acomodan espléndidamente a la realidad. La ambientación tiene un 10/10, pues uno se imagina haber estado allí; especialmente aquella perfecta secuencia del desplome de una de los rascacielos sobre los protagonistas.

Pero hay que ser realistas, un documental resulta más interesante, pues por lo menos vemos perspectivas más variadas. Tanto patriotismo cansa.

Por Sebastián Chávez Peña

The Grandfather of Soul

¡Maraviloso! Simplemente fantástico. Y con mayor razón este último tiempo, tras el penoso fallecimiento de del papá Brown nos lega esta la última entrega de Keytoon Animation Studio, 'The Grandfather of Soul', con el más que emblemático temón de todos los tiempos, "I got you".

Thom Hanks... ¿El nuevo James Bond?

Más carteles de 'I´m a Cyborg but that´s O.K.' de Park Chan-Wook

Así es. Y... pensé que estos orientales eran originales... ¡Pero nunca tanto! Los posters de ‘I´m a Cyborg but that´s O.K.’ está de pelos. Observen...

Poster y otro trailer de 'I´m a Cyborg but that´s O.K.' de Park Chan-Wook

Park Chan-Wook, el director de la aclamada 'Old Boy' (de la cual me encargué de reseñar), nos pretende sorprender con una comedia romántica titulada ‘I´m a Cyborg but that´s O.K.’, del año pasado. la cinta se trata de un tipo que se cree ladrón de almas y otra aun más loca que jura ser robot, dejando de lado la acción y las historias de venganza, pero sin perder ese grado de originalidad tan característica del cine oriental. La peli se ve divertida, y espero tener el placer de verla este año, pues a mí, digan lo que digan, me gusta el cine de Chan-Wook. Acá abajo el trailer...

Beck - 'Nausea'

En Pantalla Muerta admiramos (me gusta hablar como si fuésemos muchos, aunque esté solo en esto. Sí, es triste, pero si lo intentas verás que es divertido) caleta a Beck, creemos que es uno de lo mejores músicos contemporáneos, de calidad inigualable hoy en día. Su último trabajo, 'The Information' del año pasado, demostró con creces la genialidad de la que les hablo. No es cualquier cosa, no es cualquier sonido... es Beck, así que más respeto y a ver este segundo single de la misma placa, después del primer sencillo 'Cellphone's Dead'... ahora llega ¡Nausea!

'Capote' (2005) de Bennett Miller; el poder de la palabra

Truman Capote fue un gigante, único, todo un personaje que cambió el ritmo de la historia a través de sus magistrales novelas llenas de controversiales tópicos, tales como 'Breakfast at Tiffany´s' (1958) o la renombrada 'In Cold Blood' (1966), 'novela-documento' que relata el asesinato, sin motivo aparente, de los cuatro miembros de una familia de Kansas. De esta última novela, y con un asombroso resultado, el debutante […] director Bennett Miller extrae desde las entrañas del pasado los esclarecimientos que dieron motivos a su obra literaria más gloriosa, la cuál se convertiría en un éxito instantáneo y transformaría a Capote en un genio del género periodístico y retórico norteamericano. Con un poderoso guión -Basado en el libro homónimo de Gerald Clarke-, tanto en verosimilitud como en narrativa, Dan Futterman sorprende de igual forma, recreando una perfecta ambientación de los hechos.

Para esto hay que aplaudir también la delicada y finísima fotografía de Adam Kimmel -quien también estuvo a cargo la reproducción visual en la película de Ted Demme, Beautiful Girls, en 1996-. Tomas precisas, elegantes, que aluden mucho a las sofisticadas escenas del cine de antaño, como si fuera una recreación divina dispuesta a aferrarse posiblemente a todo lo que tenga sabor añejo, tomando muy en serio el diseño de producción y el elaborado montaje en sí, ambos conceptos muy bien manejados.

La trama va más o menos así. En un frío noviembre de 1959, el ya famoso escritor Truman Capote, se haya en su agradable sala de estar leyendo un artículo del New York Times, en la sección de noticias, que refiere, principalmente, al feroz homicidio de los cuatro miembros de la familia Clutter en su apartada granja de Kansas. Capote analiza esto y se queda sugestionado al instante. Sucesos similares aparecen en los periódicos todos los días, pero hay algo que llama la atención del periodista. Y es así como Truman decide investigar aquel caso, y gracias al auspicio de la revista donde trabajaba (The New Yorker), logra emprender un viaje hacia el lugar de los hechos, junto a su casi inseparable amiga de la infancia Nelle Harper Lee. Ya en Kansas, Capote se adentra con todo en el asunto, tanto que decide entregar cada minuto de su valioso tiempo al controversial delito y dejar de lado el supuesto artículo para dedicarse por completo a la elaboración de un libro, basado en el sangriento homicidio múltiple y optando por ubicar a los dos asesinos como protagonistas del show, siendo específico, a uno de ellos, Perry Smith, de quien aparentemente se enamora.

Naturalmente, la maravillosa actuación de Philip Seymour Hoffman -actor galardonado por este mismo papel con la estatuilla dorada al mejor actor principal en la septuagésima octava entrega de los premios Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood- se roba toda la atención de la cinta. Carismático e intrépido, humanista y susceptible por donde se le mire, el personaje de Capote, interpretado por el premiado actor, se impregna en la retícula del espectador, con esa amanerada personalidad que a más de alguno llama la atención. Ya era hora que Seymour Hoffman fuese valorado como el tremendo actor que es, no cabe duda de que fue muy adecuada la elección de los demás actores (miembros de la academia) que componen el jurado correspondiente a la votación. Ya se ha visto en muchos filmes el virtuoso talento de este señor, era casi imposible dejar pasar esta especial ocasión, donde el actor norteamericano exprime todo su potencial artístico y da vida con un alto grado de credibilidad a un dificultoso y excéntrico personaje del cuarto poder estadounidense.

No es que sobren los demás actores, al contrario, por ejemplo el papel de Perry Smith, que interpreta Clifton Collins Jr., se adecua con total simpleza y armonía al conjunto de condimentos que ensalza la película. No es que sea una tremenda “performance” la de Collins Jr, pero sin duda contribuye de manera tal que, prácticamente, al momento de plasmar los diferentes actos, se nos enseña más de historia contemporánea que de cine-ficción-entretenimiento. Cabe destacar también la presentación de Catherine Keener (Nelle Harper Lee), Amiga fiel de Truman durante el lapso de la cinta. Como la mayoría de las veces, Keener se luce frente a las cámaras nuevamente, con una veracidad en su respectivo personaje al momento de interpretar.

Quizás parezca un poco densa si no se logra enganchar desde el comienzo, pero una vez presentados los personajes, de seguro es imposible escapar de la atractiva propuesta que se nos exhibe el impresionante y aclamado debut del antes mencionado director, no olviden nunca este nombre… Bennett Millar… promete. Recomendable en variados sentidos.

Por Sebastián Chávez Peña

Trailer de 'The Bridge'

Existe un documental llamado 'The Bridge', el cual fue lanzado el año pasado en estados unidos y probablemente este año lo sea en nuestro país. está dirigido por Eric Steel y trata sobre las tendencias de reales de la gente que acude al Golden Gate de San Francisco a saltar desde el puente para quitarse la vida. Fuertemente criticado por la audiencia debido a sus impactantes imágenes. Acá el trailer... que no muestra imágenes de muertes, así que véanlo tranquilos...

La araña de rincón que quería matar a una cucaracha...

Recién no más estaba preparando un proyecto para obtener una personalidad jurídica, y así poder telonear a Los Tr3s este 20 de enero acá en el pueblo fantasma de mejillones... -posiblemente, lo más probable es que no sea así- :/ --- ...Y mientras tipiábamos uno de esos informes al PC, con mi compadre Leo escuchamos un sonido medio escalofriante, era un pequeño lamento, un lamento de bicho. Seguimos las coordenadas de aquel gemido y llegamos a una pequeña guarida de araña de rincón, acá en el cuarto de mi father, donde tiene el medio despelote. Con herramientas y cosas así. Sin embargo, lo que estaba gimiendo no era una araña, si no más bien una cucaracha, y nos dimos cuenta de que estaba toda envuelta en una potente telaraña. Nos acercamos cuidadosamente y vimos como descendió de una pequeña madriguera un poco más arriba, a la velocidad de la luz, una temible araña de rincón con el poto bien rojo pero oscuro y las patas terriblemente umbrosas, tanto que te llegaban a tiritar los dientes. La arácnida bestia comenzó a girar alrededor de la pobre cucaracha enredándola entera con su telaraña, que al parecer era extremadamente resistente, porque como pueden notar en la foto, la cucaracha es mucho más grande que la desgraciada, y colgaba sin ningún problema, se balanceaba de un lado hacia otro ¡Santo Cielo!

Según Leo, estas criaturas del infierno cazan cucarachas y las asesinan para echar la comida dentro del féretro de las mismas, y así alimentar a sus miles de crías. No le creí mucho, pero igual sonaba la raja la historia.

No pude soportarlo, y por miedo a que la condenada subiese a mi cuarto (que está en el segundo piso), le di con lo primero que vi, pero lo que hizo esta otra fue correr a su escondite, tan rápido que ni siquiera mis ojos se percataron, pensé que se había tele transportado como son gokú. Fui a buscar el tanax y como si fuera una metralleta rocié todo el veneno en su cueva, hice mierda el nido y las telarañas, estaba hecho un demonio, me emocioné. Luego salió a ver que onda la muy miserable, ya no era tan rápida como hace algunos minutos, entonces ahí fue cuando Leo le dio con la punta de arriba de la escoba. Murió instantáneamente. Lamentablemente, a causa del tanax la cucaracha igual, pero no importa, por lo menos sé que ya no subirá a mi cuarto para utilizar mi trasero como bandeja y así darle comida a sus bebés.