Otra vez estar hasta tarde ha sido para bien y no para mal, como otros por ahí creen. Bueno, en esta ocasión me he topado con una web bastante interesante, se trata de personas que sólo con sus manos y un poco de pintura dan vida a toda una selva amazónica a todo color. De lujo...
Boolie Werthan (Dan Aykroyd) es un judío adinerado que maneja una gran empresa en Atlanta, Estados Unidos, en la década del 50’. Un día, su madre, Daisy Werthan (Jessica Tandy), comienza a tener problemas con su auto, ya que por la vejez no puede manejar como antes, ni siquiera sacar el vehículo de la casa. Es por esto que Boolie decide contratar a Hoke Colburn (Morgan Freeman) –un educado afro americano de edad- como chofer personal de la señora Daisy. Pero ella se niega a servirse de las asistencias que humildemente Hoke le otorga sólo por 7 dólares a la semana.
Durante el transcurso de la película la señora Daisy y su chofer Hoke, sin darse cuenta entablan una valiosa relación de amistad que lentamente se va haciendo más y más fuerte, perdurando por muchos años.
En un comienzo, Morgan Freeman le manifestó a Bruce Beresford, director de la cinta, que era estúpido llevar a la pantalla grande una historia acerca de un negro añejo y una anciana judía. No se imaginó nunca el impacto que dicha cinta causaría en la industria cinematográfica, resultando ganadora de variados galardones, tales como: mejor película, mejor actriz principal (Jessica Tandy), mejor maquillaje (Manlio Rocchetti, Lynn Barber y Kevin Haney) y mejor guión adaptado (Alfred Uhry) en los Premios Oscar, y además triunfando en los Globos de Oro, obteniendo tres galardones (mejor película musical o de comedia, mejor actor principal: Morgan Freeman y mejor actriz principal: Jessica Tandy… nuevamente) y muchos premios más en otros festivales.
Esta absorbente historia que mezcla comedia y drama de manera sutilmente calibrada, proviene de un guión fabricado para una obra teatral, escrito por el mismo Uhry, quién además se encargó de adaptarlo para el cine. Uhry se hizo tan famoso con este título que llegó a ganar el Premio Pulitzer para obras dramáticas. Y no está demás recalcarlo, pues el relato impactó de sobremanera en lo más profundo del público.
Una conmovedora historia que se desliza por la simplicidad de calidad, rozando incluso aspectos de valor social, como por ejemplo el racismo y la relación humana retratada de manera particularmente enternecedora. Sin grandes tumultos escenográficos se retrata las décadas pasadas, y el resultado se eleva a la altura de la narrativa, gracias al tremendo impulso interpretativo que alcanza Freeman, en uno de los mejores papeles de su vida, sin olvidarnos de la fallecida Jessica Tandy, quién plasma el peso de la edad de manera espléndida, tanto física como psicológicamente.
Un film que hay que ver. De esos que se contemplan con suavidad, con fina determinación, café caliente en mano, y mucho frío en alrededor. Esta es una película de otoño, para verla con la familia. Muy linda.
Me alegra mucho decir que mis amigos se han modernizado de alguna forma -eso va para Jorge- y han optado por incursionar en esto de los blogs. Lo que más me agrada de todo este cuento, es que no son blogs para matar el tiempo y subir tonteras. Me refiero a blogs hechos y derechos, con contenido y entretenidos. Por ejemplo: Nicole, el amor de mi vida, tiene su mandarina mecánica, donde publica variadas cosillas raras, al igual que yo. Ella se pasea por traducciones de artistas que nos gustan, fotos caseras y opiniones personales al respecto, sobre la vida, películas, discos y mucha cultura popular. También está Mauro, mi buen amigazo que las lleva con su Rock and Links, excelente título del cuál ya me encargué de opinar al respecto. En este blog te puedes descargar de forma directa el disco que quieras, sólo tienes que escribirle goble_mauro@hotmail.com y hacer el pedido, este loco busca el álbum y lo publica. Y por último, el blog más esperado por los fanáticos de los melenudos de Liverpool, The Beatles "Historias no Contadas", un sitio web en formato blog obviamente donde encontrarás anécdotas nunca antes mostradas ni en la televisión, ni en la Internet ni en la radio ni en ninguna parte, sólo en el sitio de Jorge.
Bueno, la raja, ahora falta que mis demás amigos se hagan blogs para formar una comunidad bloggeira, con distintos temas y muchas entradas interesantes. Saludos.
Ya todo se ha dicho de este disco, así que me reservo los elogios. En todo caso creo que a la gente se le pasa la mano, porque el 'Nevermind' es un disco re bueno, tremendo, pero no es para tanto tampoco. Si tuviese que elegir un disco que representase los 90's yo me quedo definitivamente con el 'Mellon Collie and the Infinite Sadness' de los Pumpkins. Lejos el mejor disco -doble- de la década pasada. En segundo lugar esta genial obra de Kurt, Novoselic y Dave Grohl.
Alexander Overwijk es el autor del círculo perfecto, puede crear un preciso aro redondo en menos de un segundo. Overwijk además es campeón indiscutible del «concurso de dibujar círculos perfectos en pizarras». ¡Vaya técnica!
Algunos creen que no vale la pena estar navegando por la Internet hasta tarde, yo no creo lo mismo, y más aun si me encuentro con esta fenomenal web, repleta de macro fotografías hechas a insectos y sapos, resaltando finamente los hermosos colores que estos bichos poseen. Nuevamente la naturaleza me sorprende...
De vez en cuando aparecen ciertas películas que hablan de esos temas que a uno tanto llaman la atención, como viajar en el tiempo o el fin del mundo. No obstante, suele ocurrir que casi siempre nos encontremos frente a una súper producción desde Hollywood destinada a recaudar mucho dinero y argumentar muy poco contenido […]. 'Donnie Darko' es un caso contrario, es distinta. Posee bastantes interrogantes implícitas dentro de un conjunto de situaciones, que a la larga colapsa en nuestra reflexión más profunda y nos deja un espacio libre para interpretar de cualquier forma lo que acaba de ocurrir delante de nuestros ojos.
Richard Kelly forja un excelente comienzo, pues este es su primer trabajo como director en un largometraje. El tipo escribe bien. Ha hecho unos cortos para nada malos. En sus capacidades abunda la dinámica ocurrencia; ya era hora de mostrar lo suyo. Y le fue bastante bien, pues la película obtuvo una larga lista de premios y nominaciones en numerosos festivales de cine fantástico e independiente, entre ellos el Premio al Mejor Guión en el Festival de Cine Fantástico de Sitges del 2001 y, sin lograr una gran recaudación, obtuvo un merecido prestigio entre los fans de este mismo género.
La historia, estructurada en juegos del tiempo y el espacio que se entrecruzan, tomando extractos netamente psicológicos, ha impresionado a un público abierto, que ha catalogado la cinta como una sesión de culto. Compleja e inteligente, dicha narrativa sirve como escape de la realidad y toma como fondo ambiental la década de los 80’s, en un estado lleno de sorpresas, dónde nada es lo que parece. El extraño y perspicaz sentido del humor que adopta en ciertas ocasiones la película, crea un aire de simpatía hacia el espectador, que se disuelve con las inauditas condiciones que Jake Gyllenhaal - protagonista-, sufre durante los 122 minutos que dura el film. Llena de psicodelia añeja, se contempla acorde con los diálogos, personajes y contextos en esencia, algo así como pensar que aquello nunca ocurriría en nuestros días.
Se presenta a la familia Darko como un estereotipo americano, donde nada extraño ocurre y todo es relativamente perfecto. De pronto, las cosas comienzan a tornarse gris en cierto modo, y las impresiones van cambiando a cada minuto. El resto del reparto -Jena Malone, Beth Grant, Patrick Swayze, Mary McDonnell, Etc.-mayoritariamente, está muy bien, cada personaje aporta lo suyo para complementar los trozos que uno a uno se estructuran circunstancialmente, dando forma a un relato completo y satisfactorio a grandes rasgos.
Jake Gyllenhaal aparece increíble, con una audaz interpretación refleja fielmente la depresión juvenil que se acostumbra a ver en los chicos norteamericanos a esa edad con un certero toque permanente de esquizofrenia paranoica, que adhiere credibilidad y coherencia en variados aspectos. Con el personaje de Donnie, Gyllenhaal fue nominado para el Independent Spirit Award como mejor actor. La actuación de este como un muchacho perturbado y demente le otorgó buenas críticas y le ayudó a conseguir más popularidad dentro del mundo del espectáculo.
La inclusión del texto LA FILOSOFÍA DE LOS VIAJES EN EL TIEMPO de Roberta Sparrow, es definitivamente un gran punto a favor, ya que además de servir como referencia para Kelly, al escribir y comenzar toda una aventura dónde el plato fuerte recae en las dimensiones paralelas y los portales del tiempo, se nos muestra al personaje de la “Abuela Muerte”, quien supone ser Roberta Sparrow.
Si no fuera porque en ciertos instantes se solidifican algunas escenas sobre complementándolas con música de The Cure, Joy Division, INXS, Tears For Fears o Echo & The Bunnymen entre otros – en general, bandas adecuadas a finales de los 80’s, que por lo mismo no dejan de ser excelentes-, dando la impresión de ser mini “videos clips”, dentro de la misma película, tendría la puntuación más alta, pues de alguna forma detienen la locomotora del concepto, y atrasan la idea de avanzar con el argumento de la historia. Pero este detalle se vuelve diminuto si se conserva los atributos primarios y se mantiene constante la idea madre del largometraje.
"Para estar en ti" fue una idea que se me ocurrió a mí solito. Tenía ganas de hacerle un regalo a mi novia, y no tiene nada que ver con que me haya regalado una polera la raja de los Stones, si no más bien por el hecho de que hay tanta música que me recuerda a ella, que me resulta alarmante el hecho de que una no la conozca. Es mi obligación enseñarle aquellas bandas que sé que al escucharlas, aparte de que le van a encantar –estoy seguro-, se va a acordar de mí, de la misma manera como yo me la paso pensando en ella cuando reviso temas de Frou Frou, Belle & Sebastián, Iron and Wine, The Decemberists y un largo etc. Bueno, para ello he decidido hacerle compilaciones en CD de 13 temas (13 es mi número favorito) repasando canciones de variados artistas, por cada banda un tema por disco. Entonces ese es mi propósito ahora… y quiero enseñarles cuales fueron los temas seleccionados para el Vol. 1, y cuando fabrique el Vol. 2 también lo publicaré y así sucesivamente. Por cierto, ella se puso re feliz cuando supo mi propósito.
Vuelve la extraña pero encantadora criatura verde, esta vez quiere ir a Francia, sin embargo, un aterrador pequeñín se enamora de él, impidiendo cumplir su viaje... ¿Podrá Salad viajar a Francia? descúbrelo en el link de abajo...
La revista Vanity Fair se ha tomado la molestia de recopilar las mejores fotografías del 2006. Yo me quedo con esta hermosísima imágen de Natalie Portman bañada en un atmósfera añeja que rodea su fresca piel. Pero igual hay otras que están de pelos, como por ejemplo una donde sale George Clooney dirigiendo una peli de sirenas u otra donde aparece Angelina Jolie, de espaldas y muy sexy exhibiendo sus tatuajes en la bañera.
Para ver todas las fotos revisen este enlace y analicen con sumo cuidado las 33 diapositivas que allí aparecen, puro arte de calidad, espléndido, fotografías de fina sutiliza con fotógrafos de la talla de Annie Leibovitz. Échenle un vistazo y no se arrepentirán.
Saludos.
Buenísimo. Este tipo es asombroso, no lo debería decir yo, pero bueno... las cosas como son...
De verdad es desconcertante saber que existen tantas películas buenas en la vida y uno a veces ni siquiera se entera de su presencia. Esto pasa la mayoría de las veces con el cine independiente, y más aun si hablamos de films extranjeramente internacionales. ‘Stupeur et Tremblements’ es el mejor ejemplo para reafirmar mi argumento. Y es que la película de Alain Corneau es tan mágica como la misma ‘Amélie’ de Jean-Pierre Jeunet, quizás por el nombre… quizás por el idioma, que sé yo. Así como Amélie Poulain fantasea con su entorno ultra francés, la protagonista de esta película -que por cierto también se llama Amélie- se figura imaginativos pensamientos con asombrosas frases filosóficas extraídas de la vida misma, eso sí, relativas a un entorno oriental. Hasta el momento esto puede sonar absurdo, pues ustedes dirán “qué tienen que ver los asiáticos acá”. Mucho... Yo les responderé con la trama…
Esta genial película está basada en el elogiado libro autobiográfico del mismo nombre, que escribió la verdadera Amélie Nothomb, es decir, estos son hechos reales que vivió una mujer muy anormal, con una entelequia infinita manoseada hasta en momentos inimaginables.
Una vez egresada de la Universidad de Bélgica, Amélie regresa a Japón para desempeñarse laboralmente en territorio nipón, ya que desde pequeña se lo prometió a sí misma volver allí algún día. Ya en la ciudad, comienza su carrera profesional en una gran empresa, donde poco a poco descubre la competitividad de los asiáticos por desempeñar sus destrezas en el comercio, las humillaciones comparativas y la obsesiva tendencia de los orientales a producir más que el resto del mundo. Pero Amélie no se rinde tan fácilmente, y de manera irónica y a la vez mágica nos relata perspicazmente como logra sobrevivir en semejante infierno, con una comedia divertidísima, no de esas que están echas para reír y punto, si no que más redonda, “cabezona”, con pizcas de drama y por sobre todo mucha pasión en las palabras.
La manera en que Corneau formula el escenario japonés y a su vez, la propia Nothomb retrata a los personajes asiáticos, resulta bastante fidedigno y más cercano –por muy lejano que esté Japón-, todo un punto a favor para la cinta, ya que sirve para adoptar cierta perspectiva y concentrarnos más en las entretenidas ocurrencias de Amélie. Casi siempre en las películas que ahondan temáticas similares se retrata exageradamente el mundo oriental, generalmente con sus héroes excesivamente falsos, casi sacados de una serie animé. Quizás eso sea del gusto de muchos –y me incluyo-, pero créanme que cuando aparece una comedia que no usa esta técnica, resulta ciertamente admirable.
Sylvie Testud interpreta maravillosamente a la carismática Amélie, con su aspecto pelirrojo y muy europeo, creando una especie de desprecio visual en plena multitud de ojos achinados. Con un excelente manejo del idioma francés y japonés, Testud se representa casi así misma con este excéntrico papel, se nota de lejos.
Recomiendo a quienes están aburridos de los iterativos “madafaka” y los “wasgoinon” Hollywoodenses ver este fenomenal film, con esta interesante propuesta de “choque cultural” entre la joven belga Amélie y los amos del mundo ejecutivo.
Por Sebastián Chávez Peña
Ya se han elegido los premios Golden Globe Awards, y acá es la prensa cinéfila la que vota. Estos son muy importantes, pues casi siempre la mayoría de las veces son los mismos nominados para el Oscar, la diferencia está en los ganadores. Esta vez, el premio a mejor actor recayó en Forest Whitaker con su actuación en la película ‘The Last King of Scotland’, así que sí o sí debe ser DiCaprio en los Oscars, por su genial papel en la cinta de Scorsese, 'The Departed'. Acá van los ganadores más importantes con los respectivos nominados ...
MEJOR PELÍCULA...
'Babel' (2006) ¡GANADORA!
'Bobby' (2006)
'The Departed' (2006)
'Little Children' (2006)
'The Queen' (2006)
MEJOR DIRECTOR...
Martin Scorsese por 'The Departed' (2006) ¡GANADOR!
Clint Eastwood por 'Flags of Our Fathers' (2006)
Clint Eastwood por 'Letters from Iwo Jima' (2006)
Stephen Frears por 'The Queen' (2006)
MEJOR ACTOR PRINCIPAL EN DRAMA...
Forest Whitaker por 'The Last King of Scotland' (2006) ¡GANADOR!
Leonardo DiCaprio por 'Blood Diamond' (2006)
Leonardo DiCaprio por 'The Departed' (2006)
Peter O'Toole por 'Venus' (2006)
Will Smith por 'The Pursuit of Happyness' (2006)
MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN DRAMA...
Helen Mirren por 'The Queen' (2006) ¡GANADORA!
Penélope Cruz por 'Volver' (2006)
Judi Dench por 'Notes on a Scandal' (2006)
Maggie Gyllenhaal por 'SherryBaby' (2006)
Kate Winslet por 'Little Children' (2006)
Eddie Murphy por 'Dreamgirls' (2006) ¡GANADOR!
Ben Affleck por 'Hollywoodland' (2006)
Jack Nicholson por 'The Departed' (2006)
Mark Wahlberg por 'The Departed' (2006)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA...
Jennifer Hudson por 'Dreamgirls' (2006) ¡GANADORA!
Adriana Barraza por 'Babel' (2006)
Cate Blanchett por 'Notes on a Scandal' (2006)
Emily Blunt por 'The Devil Wears Prada' (2006)
Rinko Kikuchi por 'Babel' (2006)
Así es, pues me ha llegado un correo del director de 192.cl/blog invitándome a participar en el mismo sitio. Vio mi blog y creyó que yo era la persona indicada para hablar de cine en dicho espacio. Claro, o sea tengo que escribir sobre lo que más me gusta hacer en este blog, puro cine. Lo bueno es que podré subir mis críticas de films, es decir mi propia percepción de las películas que he visto y analizado. Ya les he enviado un artículo de mi propiedad, aquel que habla sobre el Póster y Segundo Trailer de ‘Hannibal Rising’. Lo mejor es que lo han subido inmediatamente, así que lo pueden ver haciendo click acá.
En el sitio Ain´t It Cool News ya han publicado algunos posters nuevos de ‘Pirates of the Caribbean: At Worlds End’, la tercera aventura de Jack Sparrow y compañía, dirigida nuevamente por Gore Verbinski y prevista para el 25 de mayo. Están buenos... pero esta película nunca me llamó la atención... y nunca lo hará.
Nueva York, 11 de septiembre del 2001. Dos policías pertenecientes a la Autoridad Portuaria de la gran ciudad, John McLoughlin y William Jimeno, quedan sepultados bajo los escombros del World Trade Center, tras intentar evacuar gente de una de las dos torres impactadas. Oliver Stone relata la tragedia que marcó la vida estadounidense y al mundo entero, resaltando un punto de vista más psicológico de la desdicha americana, centrándose en la vida personal y conyugal de los dos uniformados.
La trama de 'World Trade Center' reúne el dramatismo puntualmente en las parejas de estos dos valientes héroes, ya que la perseverante lucha por no perder los nervios ni las esperanzas se personifica en el papel de Donna McLoughlin y Allison Jimeno, dos mujeres que, paralelamente, deben soportar la larga incertidumbre que conlleva saber el estado de sus maridos.
A través de las experiencias personales que vivieron y compartieron John McLoughlin, su esposa Donna McLoughlin, William Jimeno y su señora Allison Jimeno, la inhábil escritora de guiones Andrea Berloff redacta esta espesa historia no muy fácil de diluir, que el aclamado (últimamente ni tanto) Oliver Stone se encarga de dirigir, poniendo todo de su parte para sorprender a un público más gringo que “mundial”, pero aportando sus mejores intenciones y expresiones ambientales que, aún así, no deja de lado ese tedioso fervor por lo propiamente gringo, nada raro en este tipo de cine.
El comienzo de la película es notable. Los primeros 60 minutos están más que bien logrados, pues los hechos fluyen como corresponden, no se centran tanto en lo que todos hemos vistos una y otra vez en la televisión, y con esto me refiero a la imagen de los aviones estrellándose en las torres y los pedazos de cemento cayendo desde el cielo, llenos de polvo; creo que en ese sentido Stone evitó caer en el popular convencionalismo pronosticado más de alguna vez. Además, es en los inicios de los acontecimientos donde se instala un poderoso enganche para el desarrollo posterior.
Lástima que todas esas expectativas que se pintan muy lindas en la apertura de la cinta decepcionen rotundamente minutos después, pues es en la mitad de la película donde reincidan sus fallos más notorios, para luego rematar con un final que vuelve a la tendencia del comienzo. En el cuerpo de esta cinta abundan escenas repetitivas, diálogos sin sentido que están de sobra, intentos desesperados por producir una emoción forzada, tanto para nosotros como para ellos mismos (los personajes), y por sobre todo un lentísimo ritmo que definitivamente no debería haber aparecido en una situación como la de acaecida por los protagonistas.
Stone siempre exprime todo el potencial de sus actores, independientemente si sus películas sean buenas o malas. En ‘World Trade Center’ quizás la palabra “exprimir” no sea la adecuada, pero sí las interpretaciones satisfacen las expectativas. Nicolas Cage (como John McLoughlin) y Michael Peña (como William Jimeno) están bien, aceptables. Sus actuaciones se basan más en imitar la manera en que vive un policía común y corriente a demostrar lo buenos que son en la actuación, especialmente el gran Cage. Con Maria Bello (como Donna McLoughlin) y Maggie Gyllenhaal (como Allison Jimeno) se nota más en la expresión tácita del desenvolvimiento exegético, como mujeres de casa tan aferradas a sus parejas que ni el derrumbamiento de las dos torres más grandes del país les importara más que la posible muerte de sus respectivos maridos. Esto porque, como mencioné anteriormente, el film gira entorno a una temática psicológica, un punto de vista más íntimo. Es por esto mismo quizás que el atentado del 9/11, en esta película, lo vemos sólo como un escenario para contar una historia de esperanza, solidaridad y grandes corazones.
Con respecto a la impresión visual de la película, es necesario recalcar escenas que se acomodan espléndidamente a la realidad. La ambientación tiene un 10/10, pues uno se imagina haber estado allí; especialmente aquella perfecta secuencia del desplome de una de los rascacielos sobre los protagonistas.
Pero hay que ser realistas, un documental resulta más interesante, pues por lo menos vemos perspectivas más variadas. Tanto patriotismo cansa.
Por Sebastián Chávez Peña
¡Maraviloso! Simplemente fantástico. Y con mayor razón este último tiempo, tras el penoso fallecimiento de del papá Brown nos lega esta la última entrega de Keytoon Animation Studio, 'The Grandfather of Soul', con el más que emblemático temón de todos los tiempos, "I got you".
Así es. Y... pensé que estos orientales eran originales... ¡Pero nunca tanto! Los posters de ‘I´m a Cyborg but that´s O.K.’ está de pelos. Observen...
En Pantalla Muerta admiramos (me gusta hablar como si fuésemos muchos, aunque esté solo en esto. Sí, es triste, pero si lo intentas verás que es divertido) caleta a Beck, creemos que es uno de lo mejores músicos contemporáneos, de calidad inigualable hoy en día. Su último trabajo, 'The Information' del año pasado, demostró con creces la genialidad de la que les hablo. No es cualquier cosa, no es cualquier sonido... es Beck, así que más respeto y a ver este segundo single de la misma placa, después del primer sencillo 'Cellphone's Dead'... ahora llega ¡Nausea!
Truman Capote fue un gigante, único, todo un personaje que cambió el ritmo de la historia a través de sus magistrales novelas llenas de controversiales tópicos, tales como 'Breakfast at Tiffany´s' (1958) o la renombrada 'In Cold Blood' (1966), 'novela-documento' que relata el asesinato, sin motivo aparente, de los cuatro miembros de una familia de Kansas. De esta última novela, y con un asombroso resultado, el debutante […] director Bennett Miller extrae desde las entrañas del pasado los esclarecimientos que dieron motivos a su obra literaria más gloriosa, la cuál se convertiría en un éxito instantáneo y transformaría a Capote en un genio del género periodístico y retórico norteamericano. Con un poderoso guión -Basado en el libro homónimo de Gerald Clarke-, tanto en verosimilitud como en narrativa, Dan Futterman sorprende de igual forma, recreando una perfecta ambientación de los hechos.
Para esto hay que aplaudir también la delicada y finísima fotografía de Adam Kimmel -quien también estuvo a cargo la reproducción visual en la película de Ted Demme, Beautiful Girls, en 1996-. Tomas precisas, elegantes, que aluden mucho a las sofisticadas escenas del cine de antaño, como si fuera una recreación divina dispuesta a aferrarse posiblemente a todo lo que tenga sabor añejo, tomando muy en serio el diseño de producción y el elaborado montaje en sí, ambos conceptos muy bien manejados.
La trama va más o menos así. En un frío noviembre de 1959, el ya famoso escritor Truman Capote, se haya en su agradable sala de estar leyendo un artículo del New York Times, en la sección de noticias, que refiere, principalmente, al feroz homicidio de los cuatro miembros de la familia Clutter en su apartada granja de Kansas. Capote analiza esto y se queda sugestionado al instante. Sucesos similares aparecen en los periódicos todos los días, pero hay algo que llama la atención del periodista. Y es así como Truman decide investigar aquel caso, y gracias al auspicio de la revista donde trabajaba (The New Yorker), logra emprender un viaje hacia el lugar de los hechos, junto a su casi inseparable amiga de la infancia Nelle Harper Lee. Ya en Kansas, Capote se adentra con todo en el asunto, tanto que decide entregar cada minuto de su valioso tiempo al controversial delito y dejar de lado el supuesto artículo para dedicarse por completo a la elaboración de un libro, basado en el sangriento homicidio múltiple y optando por ubicar a los dos asesinos como protagonistas del show, siendo específico, a uno de ellos, Perry Smith, de quien aparentemente se enamora.
Naturalmente, la maravillosa actuación de Philip Seymour Hoffman -actor galardonado por este mismo papel con la estatuilla dorada al mejor actor principal en la septuagésima octava entrega de los premios Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood- se roba toda la atención de la cinta. Carismático e intrépido, humanista y susceptible por donde se le mire, el personaje de Capote, interpretado por el premiado actor, se impregna en la retícula del espectador, con esa amanerada personalidad que a más de alguno llama la atención. Ya era hora que Seymour Hoffman fuese valorado como el tremendo actor que es, no cabe duda de que fue muy adecuada la elección de los demás actores (miembros de la academia) que componen el jurado correspondiente a la votación. Ya se ha visto en muchos filmes el virtuoso talento de este señor, era casi imposible dejar pasar esta especial ocasión, donde el actor norteamericano exprime todo su potencial artístico y da vida con un alto grado de credibilidad a un dificultoso y excéntrico personaje del cuarto poder estadounidense.
No es que sobren los demás actores, al contrario, por ejemplo el papel de Perry Smith, que interpreta Clifton Collins Jr., se adecua con total simpleza y armonía al conjunto de condimentos que ensalza la película. No es que sea una tremenda “performance” la de Collins Jr, pero sin duda contribuye de manera tal que, prácticamente, al momento de plasmar los diferentes actos, se nos enseña más de historia contemporánea que de cine-ficción-entretenimiento. Cabe destacar también la presentación de Catherine Keener (Nelle Harper Lee), Amiga fiel de Truman durante el lapso de la cinta. Como la mayoría de las veces, Keener se luce frente a las cámaras nuevamente, con una veracidad en su respectivo personaje al momento de interpretar.
Quizás parezca un poco densa si no se logra enganchar desde el comienzo, pero una vez presentados los personajes, de seguro es imposible escapar de la atractiva propuesta que se nos exhibe el impresionante y aclamado debut del antes mencionado director, no olviden nunca este nombre… Bennett Millar… promete. Recomendable en variados sentidos.
Existe un documental llamado 'The Bridge', el cual fue lanzado el año pasado en estados unidos y probablemente este año lo sea en nuestro país. está dirigido por Eric Steel y trata sobre las tendencias de reales de la gente que acude al Golden Gate de San Francisco a saltar desde el puente para quitarse la vida. Fuertemente criticado por la audiencia debido a sus impactantes imágenes. Acá el trailer... que no muestra imágenes de muertes, así que véanlo tranquilos...
Recién no más estaba preparando un proyecto para obtener una personalidad jurídica, y así poder telonear a Los Tr3s este 20 de enero acá en el pueblo fantasma de mejillones... -posiblemente, lo más probable es que no sea así- :/ --- ...Y mientras tipiábamos uno de esos informes al PC, con mi compadre Leo escuchamos un sonido medio escalofriante, era un pequeño lamento, un lamento de bicho. Seguimos las coordenadas de aquel gemido y llegamos a una pequeña guarida de araña de rincón, acá en el cuarto de mi father, donde tiene el medio despelote. Con herramientas y cosas así. Sin embargo, lo que estaba gimiendo no era una araña, si no más bien una cucaracha, y nos dimos cuenta de que estaba toda envuelta en una potente telaraña. Nos acercamos cuidadosamente y vimos como descendió de una pequeña madriguera un poco más arriba, a la velocidad de la luz, una temible araña de rincón con el poto bien rojo pero oscuro y las patas terriblemente umbrosas, tanto que te llegaban a tiritar los dientes. La arácnida bestia comenzó a girar alrededor de la pobre cucaracha enredándola entera con su telaraña, que al parecer era extremadamente resistente, porque como pueden notar en la foto, la cucaracha es mucho más grande que la desgraciada, y colgaba sin ningún problema, se balanceaba de un lado hacia otro ¡Santo Cielo!
Según Leo, estas criaturas del infierno cazan cucarachas y las asesinan para echar la comida dentro del féretro de las mismas, y así alimentar a sus miles de crías. No le creí mucho, pero igual sonaba la raja la historia.
No pude soportarlo, y por miedo a que la condenada subiese a mi cuarto (que está en el segundo piso), le di con lo primero que vi, pero lo que hizo esta otra fue correr a su escondite, tan rápido que ni siquiera mis ojos se percataron, pensé que se había tele transportado como son gokú. Fui a buscar el tanax y como si fuera una metralleta rocié todo el veneno en su cueva, hice mierda el nido y las telarañas, estaba hecho un demonio, me emocioné. Luego salió a ver que onda la muy miserable, ya no era tan rápida como hace algunos minutos, entonces ahí fue cuando Leo le dio con la punta de arriba de la escoba. Murió instantáneamente. Lamentablemente, a causa del tanax la cucaracha igual, pero no importa, por lo menos sé que ya no subirá a mi cuarto para utilizar mi trasero como bandeja y así darle comida a sus bebés.
Miren la joyita de web que me encontré... por ahí. Se supone que hay miles de rostros esperando por exhibirse, pero están divididos en 45458787612 ojos, 5147 bocas, 54875443 narices y 877745 de cabellos, orejas, mentones y el resto. Yo me quedé pegado un buen rato pinchando sobre los diferentes rostros, a veces puedes hacer mezclas realmente malditas...
¿No lo dije yo? La fabulosa Children of Men de Alfonso Cuarón ha impactado en todo el mundo. Hay quienes afirman abiertamente que esta cinta es de lo mejor que se ha visto en los últimos diez años. Protagonizada por Clive Owen y Julianne Moore, el film está hecho con una calidad tremenda, digna del Oscar. Es por esto que varios críticos y periodistas se han unido para crear un clip que explique las razones del porqué este fenomenal trabajo cinematográfico debe estar nominado sí o sí como mejor película del año. Para ello recolectar ciertas escenas -cualquiera, todas son buenas- en un video donde además aparecen fragmentos o citas de las reseñas que famosos y respetados columnistas han escrito o dicho acerca de la película.
La sinopsis, la robé de estoescine.com, aquí explican de que va la película, por si no lo saben:
La Tierra, año 2027. La esperanza de futuro es un recurso que escasea. Hace 19 años que nació el último niño. Ante este inexplicable fenómeno, la raza humana empieza a perder toda esperanza. La mayoría de la gente acepta lo inevitable y se deja caer hacia el separatismo y nihilismo carentes de leyes, otros luchan por defender un planeta unido y los derechos de la decreciente población. Gran Bretaña, mediante una política militar imperialista, es el único país que ha conseguido acallar las luchas internas, pero a cambio debe soportar la continua llegada de inmigrantes ilegales a sus costas. Sin embargo, haciendo gala de una política dura y totalitaria, los refugiados son internados en campos y deportados. Nada de todo esto parece importarle a Theo (Clive Owen), un hombre en estado de parálisis emocional. El antiguo activista convertido a burócrata se protege contra los recuerdos de un doloroso pasado y la realidad de un futuro sin sentido intentando no sentir nada. Los únicos hitos de su monótona vida son las visitas que realiza a su viejo amigo Jasper (Michael Caine). Pero todo esto cambia de repente cuando le llevan a ver a Julian (Julianne Moore). La mujer, que fue su compañera sentimental y de armas, lidera una organización ilegal que defiende los derechos de los refugiados. Julian sólo reaparece para pedirle un favor a Theo, que consiga papeles para que Kee (Clare-Hope Ashitey), una joven perteneciente a su organización, pueda salir del país sin problemas. Theo acepta, por Julian y también porque cobrará 5.000 libras. Debe acompañar a Kee y a un puñado de compañeros de Julian en un complicado viaje hasta llegar a la costa. Cuando lleguen, los miembros del casi mítico Proyecto Humano, a través del que las mentes más brillantes del mundo se esfuerzan en formar una nueva sociedad, les ayudarán. Pero cuando unos terroristas atacan al grupo, queda claro que Kee es mucho más que una refugiada; de hecho sus compañeros están dispuestos a morir por ella.
Bueno, disfruten del clip y veanla pronto, consíganla como puedan ¿vale? Que esta obra maestra no se la pueden perder por ningún motivo.
Este es uno de mis videos favoritos, y por cierto un temón. Y subo este clip por la inesperada visita de Erlend Øye a Santiago, o sea… Chile, este sábado 13 enero en el Cine Arte Normandie. Este personaje con pinta de nerd bakan participa en tres bandas tan geniales como nunca lo imaginarías, Kings Of Convenience, Whitest Boy Alive y Royksopp, siendo el cerebro compositor en las tres. Así que los que tienen la oportunidad de ver la presentación acústica -¡Que me imagino va a estar la raja!- de este genial cantautor noruego ya saben. Disfruten el video, gócenlo, báilenlo.
Hoy día, junto a los demás Psicoparlantes (Psicoparlante es el conjunto musical en el cuál yo toco la guitarra y por desgracia -no es broma- a veces canto), nos levantamos bien temprano -como si no se notara en la foto-. La idea era ir a hablar con los entes municipales de Mejillones sobre las actividades de este verano. Vimos todo el asunto, y al parecer se viene una temporada con hartas propuestas, para la gente hablando así en general. En lo que respecta a nosotros y posibles presentaciones e estimulan dos. Una ya está preparada, la otra la planteamos nosotros, pues nos dijeron: “Nosotros ponemos el dinero, digan lo que quieren hacer no más”. Se trata de invitar a algunas bandas y hacer una tocata redonda, bien hecha, harto rock y variaciones. Pero contarles esto no es el motivo de esta entrada. Cuando estuvimos allí en la mañana, me di cuenta de que había un cartel –que de puro tonto no fotografié- que anunciaba la presentación de una película que yo hace tiempo tenía ganas de ver, se trata de ‘Hauru no ugoku shiro’, acá más conocida como ‘El Castillo Andante’ de Hayao Miyazaki en el 2004. Me llamó la atención, pues es muy raro que otra gente se interese en un pueblo fantasma como lo es Mejillones. De todas formas se agradece la iniciativa de los señores de de elcinevino.cl, por traer películas de tamaña calidad a nuestra humilde ciudad.
Fue entonces cuando se me ocurrió la idea de formular un proyecto. Un ciclo de cine. Claro, ¿Cómo no se me habrá ocurrido antes? Si estos señores traen películas, ¿Qué impide que nosotros no? Tenemos el apoyo de la, a conveniencia de nosotros, derrochadora municipalidad, nada puede fallar. La idea es hacer un repaso al cine neoclásico, ya que con cada cosa que sale hoy en día se ha vuelto de culto y fundamental para desenvolverse de mejor manera en los estrenos más recientes. En el fondo pretendemos culturizar más… no, esperen, sólo CULTURIZAR a esta pequeña gran ciudad, donde tus ideas se escuchan, y no por respeto a la voz joven, si no porque nadie dice nada. Muy bien lo decía Gamelín Guerra en su canción: Mejillones duerme duerme, pero nosotros vamos a meter un poco de bulla.
La novela que escribió Herman Melville en los años 50’s del siglo antepasado es adaptada por uno de los directores más grandes de todos los tiempos, John Huston, imagen perpetua de Spielberg y demás directores que arriesgan la credibilidad de sus historias con admirables y a la vez comprometidos efectos especiales.
Huston, con la ayuda de Ray Bradbury transforma en guión la ancestral novela de Melville ‘Moby Dick’, profundizando a la perfección el relato de la colosal peripecia que el capitán Ahab tuvo a bordo del buque “Pequod” en busca de la legendaria ballena blanca.
Se supone que el protagonista es Ishmael (Richard Basehart), un pescador viajero que a pié y bajo una tormentosa lluvia llega a un pueblo repleto de marineros. Junto a los demás tripulantes emprenden un viaje bajo el mando del misterioso capitán pata-de-palo- Ahab (Gregory Peck) -que al parecer cumple mejor función de protagonismo que el personaje de Basehart-, quién aparentemente los guiará en la labor de cazar ballenas y recolectar su aceite. Pero el viaje toma otro rumbo cuando en el comandante Ahab despiertan ansiosos ánimos de enfrentarse a la ballena que consumió su alma, se llevó su pierna y cicatrizó su piel. Los demás pescadores acompañan a su capitán en esta gran aventura, todos menos Starbuck (Leo Genn), puesto que sus extremadamente correctas creencias de este marinero se lo impiden.
La cinta fue filmada en la bahía de Las Palmas de Gran Canaria, en las fiestas navideñas de 1955. Para el personaje de Moby Dick se creó una inmensa maqueta que, por entonces, cautivó al mundo cinematográfico con semejantes fragmentos del film que surge en el clímax de la narrativa, donde la acción predomina entre los valientes tripulantes y el inmenso ballenato blanco.
En esta película, según mi opinión, bastante infravalorada por la crítica, es indispensable recalcar ciertas escenas que indisputablemente fueron de lujo y siempre lo serán, dignas de remarcar en un cuadro dorado. Desde un comienzo, tenemos la voz de Ishmael en off, describiendo las convenientes premisas para un mejor entendimiento de este gran cuento, lo que por cierto ya es suficiente como para acomodar el ambiente de una película que procede de una adaptación literaria. Esta voz reaparece a medida que la historia avanza. Se nos da a conocer una sensación de despecho general, que surge dentro del “Pequod” en todos los pescadores, no obstante de modo disímil en algunos de ellos. Incluso la aparición de Orson Welles como predicador de las peligrosas aguas parece ser perfecta.
Contada de manera redonda, construida sin alborotos y con un atento sosiego que se agradece, especialmente en este tipo de cine, hacen que este trabajo valga la pena mirar. Las interpretaciones de Gregory Peck y el resto del elenco logran con creces transportar al espectador desde la butaca (o en mi caso, desde mi propia casa) hasta las tablas que conforman el piso del buque ambulante, donde se viven las aventuras más colosales que el mar haya visto.
Huston rehace lo imposible y escudriña donde nadie lo imagina para obtener los resultados precisos, y con esto me refiero al hecho de retratar un clásico con facilidad, y convertir necesariamente otro más. Esta historia maravillosa, que de seguro te contaron cuando chico, forma parte de la fantasía eterna que el ser humano posee, esa que demanda los episodios más mágicos de tu vida.
Por Sebastián Chávez Peña
Este fondo está buenísimo, y la peli igual pinta bien, como lo mencioné antes, pónganlo de inmediato de fondo y a esperar su estreno acá en Chile.
Estaba revisando las entradas anteriores del blog y me di cuenta que el weblink para ver el trailer de 'Black Snake Moan' que había subido yo anteriormente ya no existía, ¡pum! Desapareció. Lo que significaba que esa entrada quedaba inservible. Justo me encontré con la noticia (gracias Comingsoon.net) de que el mismo trailer había sido trasladado al nuevo 'Myspace' de la cinta.
Además, buscando más información descubrí que la página web oficial está de pelos, en serio, échenle un ojo.
Les recuerdo que la película está dirigida por Craig Brewer y protagonizada por Samuel L. Jackson y una irreconocible Christina Ricci, quién interpreta el papel de una guarra activa completamente "perdida". Su estreno será el 23 de febrero allá en USA.
Para ser sincero, la primera vez que vi el trailer no me gustó mucho, pero ahora que lo reviso otra vez logro comprender un tanto más la esencia quizás de la peli.
Una música espacial, única de Jigsaw Soul, desconocida, agradable y hasta bailable, con tintes surrealistas que la perfecta animación imita hermanablemente. Esto es un excelente trabajo gráfico de Gokhan Okur, que mezcla figuras y colores suaves verdaderamente sorprendentes. Un delicia de video, disfrútenlo.
Posterior a la tenue crítica de su disco 'Led Zeppelin III', Jimmy Page se puso las pilas e intentó idear junto a Robert Plant en la voz, John Paul Jones en las cuatro cuerdas y los teclados, y John Bonham en los tambores, un LP con más fortaleza en los riffs y mayor intensidad en las euritmias. El resultado… 'Led Zeppelin IV', un excelente album con majestuosas joyas musicales, la mayoría de ellas auto transformadas en clásicos de indudable valor trascendental.
En el arte gráfico del compilado Page resolvió tantear con una carátula ausente de nombre alguno, ni siquiera de la banda. Todo esto a causa de que los ingleses estaban aburridos de que la gente y los comentaristas los juzgaran por su disco anterior. Es por esto que trabajo discográfico fue llamado de distintas maneras: 'Zoso', 'Runes', 'Four Symbols', 'Sticks', 'Unnamed' o simplemente 'Four'. No obstante, por decisión casi unánime el disco fue denominado 'Led Zeppelin IV'.
La atractiva voz de Plant da inicio al álbum, con esa emblemática frase ya empastada de elogios… "Hey, hey, mama, said the way you move… gonna make you sweat, gonna make you groove"… y ¡Pum! Empieza briosamente la mega tonada hard rockera "Black Dog". Esos extravagantes ritmos en la batería conjugados con las geniales e impredecibles artimañas en las cuerdas emiten un compás único, ideal para mover el cráneo en plan ‘heavy’… y Plant continúa… "Oh yeah, oh yeah, oh, oh, oh"…. […]. Clásico single del conjunto británico.
Después miramos para atrás, cerca de los años 50’s con la descomunal "Rock and Roll". No dejamos de mover la chasca y nuestras manos continúan haciendo el símbolo de los cachos demoníacos. Esto es rock and roll en su más exquisita esencia, con las espléndidas guitarras haciendo de protagonistas en el rimbombante espectáculo acaecido en tus oídos. Compuesto por todos los Zeppelins, es evidentemente otro notable hit.
Una danza extracto medieval fusión Hippie con agregado de mandolín y excelente ambientación de cuerdas acústicas llamada "The Battle of Evermore", es lo que logra crear Page junto a Plant, resultado de tanto ácido en sus cuerpos y tanto amor por esa atmósfera demasiado referente a los mejores años de sus vidas.
Cada vez que las revistas, radios, programas de televisión y otros medios de comunicación deciden armar una lista de las 100 o 50 mejores canciones de las historia del rock, siempre está presente en la mente de cada editor-jurado el gran temón "Stairway to Heaven". No es necesario explicar el porqué, sólo basta que la escuches una sola vez –en realidad son 8 minutos, pero se pasan volando con lo magistral que es- para darte cuenta de su magna calidad formando un todo perfecto, algo así como lo que buscaba Platón, "alcanzar el Nirvana y ser parte de la naturaleza". Divina pieza culpable de cada uno de los demás temas "geniales" de todas las bandas que han surgido desde el exacto momento en que la dupla Page/Plant compuso esta preciada gema hasta el día de hoy […].
Aparte de la renombrada dupla, Jones también pone de su parte en la juguetona "Misty Mountain Hop", alegre obra rítmica que atrae por sus contagiosos riffs y tambores y su salpicada voz más que nada. Su lírica representa una mezcla de psicodelia con un enfrentamiento con la policía en uno de sus conciertos, se supone que estaban extremadamente estimulados por los ácidos, y recuerdan haber mencionado "Dejemos ir los Montañas Místicas… donde vuelan las almas". Gusta de inmediato por tener un formato de rock accesible y liviano, pero con una poderosa batería de Bonham que sucumbió más de alguna vez el 'Madison Square Garden'.
La extravagante "Four Sticks" fue escrita en una fabulosa excursión a la India con la intención de que Bonham de alguna forma explotara cada sonido de la batería, exprimiendo cualquier ritmo que de ella lograse dar a luz. La voz de Plant resuena con sonidos eléctricos y entre todas las cosas se mezclan para dar más que un buen resultado, lo que no para con la suave y refrescante "Going to California", tonada de la misma onda que "The Battle of Evermore" –más que nada por las mandolinas-, pero con un aire más simpaticón y de un agradecido relajo, inclinado por ese Folk hippie que deslumbra nuevamente. Inspirados en la música de Spirit (conjunto norteamericano aparecida en el 67'), la dupla Page/Plant reinventa esta hermosa canción que a su vez inspiró a la banda Pearl Jam, con su tema "Given to Fly", puesto que claramente podemos percibir la exacta similitud en la melodía vocal de dicho corte –en ambos versos de cada canción para ser exacto-.
Y remata con la aplaudida adaptación del cover "When the Levee Breaks", originalmente compuesta por Kansas Joe McCoy y su esposa Memphis Minnie en 1929. Una potente, torrencial y única batería de Bonham rompe el silencio y la pantalla del fugaz fluir que "Going to California" había colgado en el aire, todo se desvanece de golpe, donde una legendaria harmónica segrega vientos 'blueseros' con un símbolos de nostalgia durante casi toda la canción. De pronto, te sientes en la necesidad de querer escuchar a Page con esos efectos tan llamativos, y como no, a Jones, quién además de haber interpretado de las mil maravillas el tema, lo trabajó al pié de la letra para sus posteriores indagaciones como solista.
Que más puedo decir, una invaluable placa ancestral es 'Led Zeppelín IV', la más vendida de toda su discografía y ... lejos... la más querida por todo el mundo, el mundo que amaba a una banda que le puso todo el condimento al Heavy metal y las infinitas ganas al arquetipo del roquero más crudo.
Estaba haciendo hora para ver una película y me quedé un rato en MTV. Después de propaganda y más propaganda empezó a sonar este tema, 'Chasing Cars' de Snow Patrol, y me golpeo suavemente a mí mismo en la cabeza por no sintonizar MTV, o por lo menos estos canales de música tan seguido.
El tema es hermoso, simple y puro, estremecedor por su sencillez e interpretación. El video me encantó aun más, producido y dirigido por los cineastas finlandeses Stefan Arni y Siggi Kinski, las tomas van acorde a la intimidad de la música, los enfoques son perfectos.
Recuerdo haber leído severas críticas en contra de la última entrega de M. Night Shyamalan, ‘Lady in the Water’, tantas que por un momento llegué a creer que todo eso era cierto. En todas las revistas y los diarios decía más o menos lo mismo: "desde ‘Signs’ del 2002 que este realizador ha estado haciendo pura basura". De todas formas yo siempre disentí de las opiniones generales. ‘Signs’ provocó mucho en mí, porque hablar de ovnis –temática popular (¿?) que me fascina- en una mega producción no es tarea fácil, y más todavía si se cuenta con la actuación de estrellas que aparecen en pelis taquilla –o en esta ocasión, las dirigen también- como lo es Mel Gibson. Por otra parte, ‘The Village’ pudo ser mucho mejor de lo que se planteó en un principio, sin embargo, no por eso deja de ser una entretenida historia digna de narrar, que si bien es cierto que su resultado es inferior en comparación a la anterior, se disfruta de igual forma.
La cosa es simple. Esto de que si Shyamalan va de mal en peor o todavía sigue haciendo buenas películas es sólo cuestión de subjetividad. Resulta casi imposible ser objetivo frente a cintas tan controversiales como las que comprenden su filmografía.
De lo que estoy seguro es que nadie puede negar la capacidad de narrar historias casi imposibles de configurar que tiene este director de sangre indo americana. Una mente brillante para idealizar personajes pequeños e incursionar en senderos cargados de pura fantasía sin despegar un pié de la urbanización contemporánea y la cotidianeidad.
A grandes rasgos, todas las interpretaciones escasean de defectos o falencias –quizás un poco el papel de Vick Ran, pero entre tanto punto a analizar pasa un tanto desapercibido-. Por el contrario, Paul Giamatti realiza una fidedigna actuación que aporta al film más de lo que a simple vista parece. Sin Giamatti la cosa hubiese sido muy distinta. La propia historia hubiese tomado un rumbo sumamente inexistente y todas las envolturas que poseen los pies puestos sobre la tierra se hubiesen elevado tanto, al punto de perder verosimilitud en la narrativa.
Pero son los ojos de Bryce Dallas Howard los que se roban la película. Sí, esa mirada… que con sólo unos segundos en cámara revela una tierna incertidumbre bañada en una honesta inocencia, similar a la de una pequeña de 5 años que teme ver más allá.
En todo caso hay que admitir que la cinta no es perfecta. Pues puede ser que de una historia corta, Shyamalan haya expandido innecesariamente el metraje hasta alcanzar lo oficialmente estimado como largometraje, ya que sin ningún problema ‘Lady in the Water’ pudiese haber sido contada en menos tiempo. Pero… vamos, esta es la historia que Shyamalan le contaba a su pequeña antes de dormir, es decir, estamos hablando más de una satisfacción personal que de un “Blockbuster”.
Cabe destacar además la excelente música original que el maestro James Newton Howard contribuye al trabajo fílmico, un exquisito banquete de adecuadas melodías que NO podrían adaptarse mejor a las escenas.
Ahora entiendo porqué la voz popular odia las cintas de este admirable director. La mayoría recalca con fastidio la transformación del cine de Shyamalan, que cada vez se está volviendo más fantástico, a tal punto que llega a parecer absurdo. Lo que pasa es que en este mundo hace falta magia, eso es todo. Pasa lo mismo con las películas animadas, las impresiones al verlas son aceptadas, pero de alguna forma menoscabadas por ser precisamente creación computarizada y obviamente ficticia. Pero detrás de esto hay cierto grado de realidad que se maquilla y no a propósito para difundir un mensaje claro y que casi siempre se pasa por alto. ‘Lady in the Water’ es lo mismo señores, debes creer en lo que don Shyamalan relata, es más que ficción, todo está basado en los macro problemas que invaden esta humanidad; es lo mismo que dice Bono de U2 pero según mi criterio con más pasión. ¿Te habías dado cuenta?
Gente que se maneja en el ámbito hollywoodense ya ha planteado las expectativas, y muchos han concordado en los actores y films posiblemente nominados para la septuagésima novena entrega de los premios Oscar. Lo cierto es que muchos han acertado en casi todo según la Producers Guild of America, excepto por la mala idea de no incluir a la espectacular ‘Children of Men’ de Alfonso Cuarón como mejor película.
Pero acá tengo la lista oficial, veamos que opinan ustedes:
Cintas nominadas a mejor película:
Nominados a mejor actor principal:
Leonardo DiCaprio en ‘Blood Diamond’ (2006) con el papel de “Danny Archer”
Ryan Gosling en ‘Half Nelson’ (2006) con el papel de “Dan Dunne”
Peter O'Toole en ‘Venus’ (2006) con el papel de “Maurice”
Will Smith en ‘The Pursuit of Happyness’ (2006) con el papel de “Chris Gardner”
Forest Whitaker en ‘The Last King of Scotland’ (2006) con el papel de “Idi Amin”
Nominadas a mejor actriz principal:
Penélope Cruz en ‘Volver’ (2006) con el papel de “Raimunda”
Judi Dench en ‘Notes on a Scandal’ (2006) con el papel de “Barbara Covett”
Helen Mirren en ‘The Queen’ (2006) con el papel de “La Reina Elizabeth II”
Meryl Streep en ‘The Devil Wears Prada’ (2006) con el papel de “Miranda Priestly”
Kate Winslet en ‘Little Children’ (2006) con el papel de “Sarah Pierce”
Nominados a mejor actor de reparto:
Alan Arkin en ‘Little Miss Sunshine’ (2006)
Leonardo DiCaprio en ‘The Departed’ (2006)
Jackie Earle Haley en ‘Little Children’ (2006)
Djimon Hounsou en ‘Blood Diamond’ (2006)
Eddie Murphy en ‘Dreamgirls’ (2006)
Nominadas a mejor actriz de reparto:
Adriana Barraza en 'Babel' (2006)
Cate Blanchett en 'Notes on a Scandal' (2006)
Abigail Breslin en 'Little Miss Sunshine' (2006)
Jennifer Hudson en 'Dreamgirls' (2006)
Rinko Kikuchi en 'Babel' (2006)
Por el momento eso es todo. Pronto tendrán las otras listas (mejor peli de animación, mejor director, etc.). Saludos.
Lo que más se nota en esta película es que Spielberg nos intenta plasmar una impresión humanitaria por donde sea posible, apoyándose en una inteligente comedia con una trama bastante original. Refrescante. Algo nuevo. No obstante, a medida que los minutos avanzan nos encontramos frente a esas típicas escenas cómicas, infaltables en el perfecto mundo yanqui, aquellas que acostumbran a ser imprescindibles en una cinta que tenga como una de sus principales misiones retratar a la sociedad norteamericana. Son algunos detalles los que destiñen con un leve grado de predicibilidad. Esto, quizás, hizo que en ciertos momentos -cuando estaba viendo el film- mis expectativas se volcaran un tanto, creyendo más en la idea de que Jeff Nathanson -guionista del largometraje- se basó -en gran medida- en el estereotipo convencional de comedias, las más populares y accesibles para la mayoría del público (estilo que marca el sello de Spielberg) al momento de armar la historia.
Tom Hanks nuevamente demuestra que es un genial actor, realizando el complicadísimo papel Viktor Navorski, un eterno pasajero procedente de una ficticia ciudad llamada Krakozhia ubicada al oeste de Europa, quien decide realizar un significativo viaje a New York con la intención de ayudar a su padre a conseguir la firma de un viejo jazzista y de esta forma cumplir una personal tarea de valor sentimental. Al llegar al Aeropuerto JFK de Nueva York, se entera por la televisión que su país ha sufrido un golpe revolucionario; que algunos mandatarios fueron asesinados y que además la situación del estado había empeorado tanto que de alguna forma las condiciones legales desacreditaban la existencia de dicha nación a causa de esto. Por ende, automáticamente el pasaporte de Navorski pierde valor y es rechazado por las autoridades del aeródromo, lo que obliga al protagonista a quedarse a vivir allí y no pisar suelo americano hasta que los sucesos en Krakozhia se acaben. El asunto es que durante nueve meses Viktor debe adaptarse en su entorno, lograr sobrevivir y además superar los obstáculos que Frank Dixon (Stanley Tucci) -encargado de los asuntos correspondientes a turistas e inmigrantes- interpone sólo para mantener sumo cuidado de las reglas, pasando por alto ciertos valores caritativos, que forman parte del principal concepto de la película. Por si esto fuera poco, al mismo tiempo, Navorski se enamora de una atractiva azafata llamada Amelia Warren (Catherine Zeta-Jones). Entonces surgen más condimentos y se forma una gran ensalada de adheridos a la temática principal, lo que hace atractivo y un tanto interesante el film -hasta cierto punto-.
En cuanto al supuesto romance de Zeta-Jones y Hanks ocurre una notoria inexactitud, pues si bien es cierto que al rotar las posibilidades en un film se logra sorprender y a la vez cautivar al espectador, también es necesaria la precisión y tener mucho cuidado al hacerlo. Nadie imaginó que las cosas entre ellos hubiesen terminado de esa forma, todos esperábamos un final predecible pero concreto, sabíamos a lo que íbamos y aún así no se sentía como una película más del montón, el revoltijo de emociones en los entornos ya nos había deleitado lo suficiente. Pero no, ocurre algo que descoloca el sentido de la cinta y cambia la dirección de las respuestas, sin embargo, no se le puede pedir más a un director que… su punto débil… siempre hayan sido las relaciones de pareja… en toda su filmografía. Entonces, queda claro que el largometraje va en busca de otras cosas, lo que podría tomarse para bien o para mal, descartando y aceptando uno que otros puntos.
La original historia está inspirada en la vida del iraní Merhan Karimi Nasseri quien vive en la Terminal 1 del Aeropuerto Internacional Charles de Gaulle desde 1988. Aunque en la película proviene de un país ficticio llamado Krakozhia, Viktor Navorski habla en búlgaro. El guión fue escrito por el periodista Sacha Gervasi y reescrito por Jeff Nathanson quien ya había trabajado antes con el director en 'Catch Me If You Can' (se nota bastante la influencia de este guionista en el modo de proyectar las ideas de Spielberg, mucho más serias y con otro tono).
La calidad interpretativa siempre se caracteriza en las películas de Spielberg, y esta vez no es la excepción. Tom Hanks aparece genial y no hay nada que omitir a la realización del personaje de Catherine Zeta-Jones, pero sin duda el que realmente sorprende es Stanley Tucci, quien logra una esplendida definición de un hombre desesperado por mantener un aire burócrata frente a los más grandes gerentes, la policía y sus respectivos empleados. De los actores secundarios cabe destacar el papel de Kumar Pallana -Gupta Rajan- (quien también hizo el personaje de “Pagoda” en la película 'The Royal Tenenbaums' de Wes Anderson), cuyo brillante humor alternativo en complemento a lo que le va ocurriendo a Viktor, es sin duda un gran aporte al film en sí.
A pesar de haber argumentado lo que según mi opinión no estuvo del todo bien en la película, la recomiendo abiertamente, ya que se disfruta un montón las aventuras de Viktor Navorski y compañía, me divirtieron los diálogos y los curiosos acaecimientos que se forman a medida que se van cumpliendo los minutos. Sólo queda olvidarnos de que Spielberg es grande y tratar de evitar percatarnos de los errores, pongámonos en la situación de que esta cinta es el resultado de un director buscando otros vientos y a su vez tratando de superarse a sí mismo, creo que de esa forma tendría mejor cabida en el criterio de cada uno.
Ya ha pasado el tiempo, pero más vale tarde que nunca. Este nuevo video dirigido por Tim Burton, muy apegado a la onda de las pelis de "serie B" representa el single "Bones" del nuevo disco de The Killers, 'Sam's Town'.
Estoy más que seguro que es la misteriosa (y sensual) Devon Aoki la chica que se saca la piel junto al tipo raro ese. Lo hace de pelos. Disfruten el video...
Ahora se me ocurrió subir fondos de escritorio. A veces me pregunto hasta dónde llega mi imaginación. Espero que disfruten de estos wallpapers de Grindhouse, a mí me gustó más el de Planet Terror. Saludos.
Del creador del remake de 'The Texas Chain Saw Massacre' de Tobe Hooper, Marcus Nispel, nos llega esta interesante propuesta titulada ‘Pathfinder’ basada en un comics, como es costumbre últimamente.
Además esta peli ya se hizo, así que otra vez estaríamos hablando de un remake (como también es de costumbre). La historia cuenta que un chico de sangre vikinga se cría junto a personas inglesas, y al crecer se convierte un guerrero que ayuda al territorio inglés de las constantes invasiones vikingas.
Con las actuaciones de Karl Urban y Clancy Brown, el film esta previsto para que el 27 de abril se estrene en los cines de USA.
Una vez vi en la tele un fabuloso cortometraje y aluciné. Lo malo es que después me olvidé. Tuvieron que volar más o menos una docena de meses para que tal "alucinación" volviese a mi mente. Me puse a buscar información y lamentablemente no encontré mucho, o por lo menos lo que esperaba. Lo cierto es que tengo esto:
Se llama 'Copy Shop' y fue creado el 2001, además este corto de Virgil Widrich fue nominado al Oscar y compuesto por 18,000 fotogramas digitales fotocopiados, animados y filmados con una cámara de 35 mm. Simplemente divino ¿no?
Bueno, la sinopsis es algo así. Un señor que trabaja en tienda de reprografía (Johannes Silberschneider) por casualidad se copia a sí mismo, y de él salen miles de clones en imágenes, tantos hasta poblar el mundo entero. Con una inteligente utilización de los efectos visuales, este cortometraje realmente sorprende.
Pero hay un problema. No encontré el video (como dije anteriormente), hice lo que pude pero nada, sólo estaba para descargar, y como sé que nadie lo iba a hacer tuve que subir esto nomás... no se ve como yo esperaba pero se entiende la idea. Lo que no me gusta es que está divido en dos partes, pero vamos, vale la pena ;)
PD: No crean que en algunas partes esta mal grabado. Me refiero tanto en las imágenes como en el sonido -la música esta re buena-. Este trabajo audiovisual es así, y es por eso que los críticos aman tanto esta "fast Movie", por la creatividad al plasmar una película de fotocopias, como si estuviese hecho de fotocopias y además hablando del mismo tema, ¡vaya montaje!
Hace un buen tiempo (desde el año pasado [...]) que no subo buena propaganda al blog, y de pronto, de la nada, me encuentro con esto, un anuncio para el Peugeot 307, simplemente buenísimo.
Los gitanos por naturaleza son cochinos, hay que admitirlo. Tanto así que su suciedad hasta puede costar vidas. Y lo peor de todo es que más encima se (¿)avergüenzan(?) de ello.
Otro capítulo más de Salad Fingers, el héroe de nadie, uno de mis tantos ídolos. En esta ocasión podemos notar como un poco de ortigas sirve para alterar su extraña piel (y todo lo que viene después), y por otra parte, conocer a otro de sus amigos, pero este sí que es raro, demasiado.
Hace poco tuvimos el placer de mirar el videoclip de 'Travelling Mind', perteneciente a Grape Digging Sharon Fruits, la banda que David Firth, creador de este singular personaje modificó a su manera, obteniendo fantásticos resultados.
Ahora a disfrutar de este hilarante episodio...
Me he puesto a pensar: cada vez que subo un disco, especialmente estos discos, creo que les estoy haciendo un gran favor al darles tal 'weblink' para que puedan obtenerlo, pero he cometido un error que de seguro ustedes no deben tomar en cuenta, pero yo sí... ¿Cómo es posible que suba álbumes para descargar, si ustedes ni los conocen? Entonces, pueden haber muchos que no sepan de lo que estoy hablando, y a esos mismo obviamente les va a importar un bledo tener frente a sus ojos el link que cambiará sus vidas.
Es por esto que me he animado a subir las URL de los discos acompañados de críticas o reseñas de los álbumes para descargar, para que así tengan una idea de lo que van a bajarse, que no es pura mierda como parece. Además, a las demás reseñas de discos también les agregué sus respectivos “Weblinks”, para que puedan captar más o menos como va a ser la cosa.
De todas formas, igual de repente subiré discos sin reseña, pero serán imposibles de no conocer, cultura general, o como dije una vez, clásicos, neoclásicos y joyas de vanguardia.
No más queda agregar que deben tener confianza, si no cachan el Lp que les estoy "regalando", sólo descárguenlo: les aseguro que les va a gustar, yo no subo cualquier cosa.
Saludos y vale por visitar este sitio.
El surgimiento de una nueva década trae un verdadero clásico del cine ‘Snuff’ (género en el cuál se exhiben escenas donde se tortura, viola y asesina con el único objetivo de registrar estos hechos por algún medio audiovisual) que desglosa algunos semblantes del voyeurismo (fantasías sexuales recurrentes y altamente excitantes, impulsos sexuales o comportamientos que implican el hecho de observar ocultamente a personas, desnudándose o que se encuentren en plena actividad sexual) provocando un intangible círculo erótico alrededor del film. Junto a Hitchcock (‘Rear Window’), Michael Powell discierne en la interesante mente psicópata desde perspectivas de bastante enganche, y es por ello que a estos dos grandes del cine siempre se les refiera como lo más destacables visionaros del psicoanálisis humano mediante la cinematografía.
El empalme visual denota un poderío tremendo, con una tenebrista fotografía que alude indiscutiblemente al expresionismo alemán. Desde el comienzo, podemos apreciar como toda una onda tétrica con muy leves detalles de índole sensual brotan en la penumbra sensorial que la cámara ofrece, tanto en primera persona, como en plano general.
Esta cinta se centra más en la narrativa –basada en la historia original del escritor Leo Marks, que además se encarga del guión- que en los personajes. Mark Lewis (Karlheinz Böhm) no es precisamente un ente convencional dentro de los rostros neurasténicos que buscan placer con la muerte de los demás, más bien es un sujeto raro –como cualquier demente de este tipo- apartado de lo imaginable, que se arma de una “cámara asesina”, la cual posee en uno de los pies del pedestal de la misma un arma blanca bien afilada. Con esto pretende satisfacer su desarrollada escoptofilia adquirida desde pequeño, filmando los detalles de la muerte de sus víctimas, en este caso sólo mujeres. La idea es grabar el rostro de sus mártires en la cinta fílmica y crear una especie de documental, con un propósito “supuestamente” fundamentado… la búsqueda del miedo, o algo así. Pero antes de ser un maniático impulsado por un morbo Psicológico… es un hombre, ¿Y cuál es la debilidad de un hombre? Mmm… exacto, la mujer. Helen Stephens (Anna Massey) se vuelve un obstáculo para Mark en la finalización su siniestro propósito, pero la dulce fragancia del amor impide que se de cuenta, ni siquiera en su continuo intercambio bipolar de personalidad.
Podemos notar la enfermedad de Mark con mayor albor en una escena con la madre de Helen, la señora Stephens (Maxine Audley). En dicho acto, la doña, por ser ciega, presiente un aura misteriosa en Mark, y es así como decide averiguar quién en verdad es este tipo, debía hacerlo, pues su hija estaba saliendo con él. Se mete a escondidas en la casa del protagonista y éste lo descubre. Mark siente que la señora Stephens ha descubierto su preciado secreto, aquel que lo separa de la realidad en la que vive. Por ello decide completar el documental asesinando de la misma forma a la madre de Helen, pero al ver que su rostro no daba señas de ninguna expresión dramática (por ser ciega y no ver la afilada lanza sobre su cuello), se detiene pasmado, suelta la cámara y huye, reparando en que al cometer el crimen no habría placer de por medio. Esta secuencia refleja de mejor manera la explicación del porqué Mark no es un asesino, si no sólo un enfermo más.
Con todo esto se podría visualizar una serie de turbadoras escenas en la mente, pero es mi deber anunciar que no es tan así la cosa. Está claro que Mark hace de las suyas en varias ocasiones provocando vivacidad a la película, sin embargo es en el final, donde a diferencia de los sustos cuasi invariables de Hitchcock, Powell dispone de todas las sorpresas en un punto conclusivo, cerca del desenlace de la cinta.
Las actuaciones, especialmente la de los personajes principales desprestigian quizás un tanto el resultado final de este gran trabajo, pues hay veces que no se cree mucho lo que está pasando, y eso puede que explique la nota 8/10 que le he puesto.
Lo mejor de esta película, es que quizás desde aquí o un poco antes, comenzaron las tendencias populares de crear personajes con serios problemas mentales como peligro social, sin nombrar a Powell como el mayor expositor. No obstante, ‘Peeping Tom’ puede alardear de aquello, pero yo lo veo más como un film de culto para comprender las raíces del miedo, o como dice la frase de la misma: Do you know what the most FRIGHTENING thing in the world is ...?
Gran álbum del cuarteto ingles vestido con destacadas canciones, decisivas para el curso de su trayectoria. Los tiempos estaban cambiando poco a poco, y a los Beatles ya se les notaba esa intención por querer dejar las giras para probar e improvisar nuevas formas de trabajo en el estudio de grabación.
Comienza con el tema/concepto principal del disco… “Help!” Un clásico del Pop-Rockanroll de todos los tiempos que ha trascendido durante décadas. En esta canción Lennon comienza a expresar sus emociones y descubrir sus sentimientos personales más que en anteriores LPs. Tema de culto, no cabe duda.
La sigue “The Night Before”, canción llena de alegría acoplada a un ritmo contagioso y melodías pegajosas. Una gran composición de McCartney, que no sería lo mismo sin esos magníficos complementos vocales Harrison/Lennon y las acertadas percusiones de Ringo Starr, que en esta ocación demuestra mejor sus dotes en los tambores.
“You've Got To Hide Your Love Away” es el track donde Lennon derrama toda esa influencia que Bob Dylan ha marcado en él. Tanto musicalmente como en las letras se puede advertir semejante estilo. El músico Johnie Scott interviene en la utilización de flautas tenor y alto, variando de muy buena forma la calidad lineal de la banda. Genial composición que además Noel Gallagher (Oasis) y Eddie Veder (Pearl Jam) se complacen en interpretar sus conciertos.
La pista Nº 4 corresponde a “I Need You”. Junto a “You Like Me Too Much” serían las consiguientes obras de Harrison plasmadas en un LP después de la aparición de “Don't Bother Me”, en el disco 'With The Beatles'. Teniendo el material listo, y con leves -pero crecientes- deseos de experimentar en sus composiciones, por decisión unánime al día siguiente se le agrega una particular secuencia de pedal Wah-Wah como acompañamiento a la canción, que para muchos desentona y para otros es lo mejor del tema.
“Another Girl” es una clara muestra de lo genio que es McCartney a la hora de forjar canciones de peso, ya que además de haber compuesto y grabado el bajo, se hace cargo de la primera guitarra, marcando unos riffs con 'Slide' bastante asertivos, impidiendo el desprestigio de los siempre entretenidos arreglos que de por sí demuestra en el instrumento de cuatro cuerdas. Brillante composición que asimismo se destaca por su gracioso video musical en la playa.
Cada canción de este disco contiene una característica diferente que se impregna en nuestros oídos, en nuestra mente, llenándonos de nostalgia y bellos recuerdos de la infancia, y “You're going to Lose That Girl” no es la excepción. Lennon nos sorprende nuevamente con una genial estructura sónica, característica rítmica del mismo LP en sí. En este tema se destaca constantemente la deslumbrante interpretación de Ringo Starr en las percusiones.
“Ticket To Ride” es lo mejor del disco. De hecho, es una de las más memorables composiciones que Lennon ha creado durante su carrera como Beatles. Excepcional tonada que se integra a la continua guitarra que paul nuevamente nos regala de la mano de los otros arreglos de cuerdas que Harrison también aporta. Pero lo que más se agradece es la sobresaliente acotación instrumental de Starkey con sus baquetas, sin ella no sería lo mismo, definitivamente. Otro tema de culto.
Ringo nos enseña que aunque su voz no sea tan perfecta como la de los demás integrantes, igualmente puede ser la cara principal y protagonista de algún sencillo, creando la versión Beatlesca del tema en clave country erteneciente a Morrison y Rusell, “Act Naturally”. Si bien, no es de las mejores del disco, se destaca por los fantásticos acomodos vocales por parte de Paul.
No obstante, con “I've Just Seen a Face” McCartney se reivindica como excelente músico que es, con una melodía cuasi “campesina”, Paul nos estruja este “pedazo” de canción en la cara y no nos deja otra opción su corto pero contundente logro. No es un tema de culto, pues no es tan famoso como “Yesterday”, “Help!” o “Ticket to Ride” por ejemplo, no obstante, para los que se manejan en el tema Beatlesco, saben a lo que me refiero cuando digo que es un temazo, sí señor.
Los chicos de Fat-pie.com -Cresh, Firth, Fonz y Fonts-, además de ser excelentes realizadores audiovisuales que manejan con notorio profesionalismo la animación en flash, poseen geniales dotes musicales. Su banda, llamada Grape Digging Sharon Fruits, deriva aspectos indie rock, con un toque muy folklore bien movido. En esta ocasión veremos el video del sencillo 'Travelling Mind', creado en octubre del 2006. Una perfecta muestra de talento acústico y visual, con un muy bien trabajado montaje que se adhiere sin problemas a las hipnóticas notas que retumban sin parar en las cuerdas.
Está demás anunciar que el maestro Alfred Hitchcock es considerado uno de los mejores directores de la historia del cine, e indiscutiblemente, el padre del género “suspense”. Para entenderse de manera más profunda dentro del mundo del séptimo arte, es fundamental pasearse por algunas de las mejores cintas que éste realizador inglés ha plasmado en la historia del cine. Una de ellas es la cautivadora Rear Window. En esta ocasión demuestra con ganas su innegable capacidad de desplegarse en territorios psico claustrofóbicos, razonando sobre la capacidad humana desde un peculiar punto de vista.
John Michael Hayes crea una adaptación de un cuento corto de Cornell Woolrich, que Hitchcock se preocupa de ejecutar con una académica estrictez, repleta de grados reveladores, en un estilo tan propio de éste legendario cineasta.
El aclamado actor James Stewart interpreta en esta ocasión a Jefferies, un fotógrafo que permanece sobre una silla de ruedas en su departamento debido a un accidente que tuvo en el trabajo, hace algunas semanas atrás. Sin mucho que hacer, pasa el tiempo mirando las demás residencias desde su apartamento, contemplando las vivencias de sus vecinos en detalle con la ayuda de sus prismáticos. En uno de esos vistazos descubre algo raro en una de las moradas. Uno de los vecinos, Lars Thorwald (Raymond Burr), comienza a actuar de manera extraña y muy sospechosa, al mismo tiempo de la repentina desaparición de su mujer. Es por esto que Jefferies, con la ayuda de su novia Lisa (Grace Kelly) y su empleada Stella (Thelma Ritter), decide descifrar tal misterio utilizando una matemática intuición, para luego tratar de convencer al incrédulo detective Doyle (Wendell Corey) -su amigo personal por lo demás- de que ha ocurrido un homicidio.
Con un impecable desarrollo de los eventos, y una perfecta atmósfera de calculado suspense, el incomparable Hitchcock consigue crear una pulcra cinta repleta de buenas ideas y bien conjeturados y a su vez cabales diálogos, con grandes personajes de verosímil carácter, lo cual juega bastante a favor en su efecto. James Stewart se ha desempeñado en las mejores películas de la historia, fue realmente una de las joyas cinematográficas más preciadas del mundo Hollywoodense, y en ‘Rear Window’ demuestra lo que desde los años 30’s lo mantuvo ocupado, realizando uno de los mejores papeles de su carrera, aun estando sentado durante toda la cinta en una silla de rueda; aquello no fue excusa para dejar de exponer su acabada capacidad en la actuación.
El papel de Lisa, que la hermosa Grace Nelly da vida y forma con pasión, excava en campos amorosos al manifestar su amor en medio de las ocurrencias relacionadas a la historia principal, lo que al mismo tiempo aporta un exquisito dinamismo argumental a este glorificado film.
Una película esencial, digna de cualquier elogio ferozmente exagerado. Al ver este omnipotente trabajo, mis ojos se han llevado el mejor regalo de fin de año que cualquier ojo humano haya recibido durante el regular 2006 –para muchos, me incluyo-, pues me he dado el lujo de ver esta cinta una tarde del 31 de diciembre del año pasado, ¡Y qué manera de despedir el año, ¿no creen?!
Por Sebastián Chávez Peña
Para los que miran este blog:
He subido algunos discos a 'Pantalla Muerta', y espero subir más, pero quiero que sepan que no apoyo la piratería en lo absoluto. Estos discos sirven para uso personal, casero, buena onda. No para venderse en la calle. Supongo que si son muy fanáticos de estas bandas se bajarán estos discos y después se los comprarán originales. Yo no hago eso, pero hay gente que sí.
Por otra parte, quiero aclarar que yo no subo discos malos, subo puras 'joyitas', como por ejemplo el 'Parachutes' de Coldplay (que más adelante quizás le haga una reseña). También subo discos que me piden, como el 'On an Island' de Gilmour (otra 'joyita' más). La idea es ir subiendo placas esenciales, esas que no puedes no oír antes de morir, clásicos, neoclásicos y títulos de vanguardia.
Ahora quiero compartir con ustedes este tremendo álbum, el mejor del 2005, mi disco de cabecera por estos días. Un excelente trabajo demasiado genial para pasar por alto :
Hay variaciones de opinión y considerables desacuerdos que han retrasado de algún modo las preparaciones pertinentes, pero George Lucas ya ha anunciado que para junio de este año comenzará el rodaje de la ansiada saga 'Indiana Jones 4', y para mayo del próximo año tendremos los resultados en la pantalla grande.
La cinta será dirigida por el maestro Spielberg, y el guión, que fue manoseado durante buen tiempo, esta a cargo del propio Lucas (en la creación de personajes) y de David Koepp (el guión en sí).
La cinta estará protagonizada, obviamente, por el auténtico Indiana Jones: Harrison Ford, pero hay rumores de que Karen Allen, Sean Connery y hasta Natalie Portman sean parte del elenco. Sólo abrá que esperar más detalles.
Los japoneses han sido los primeros en tener el placer de mirar el primer Spot de TV de Spiderman 3, dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire y Kirsten Dunst.
Lo mejor de todo es que incluye imágenes nuevas, no vistas en el trailer anterior. Ya... sin más preámbulos, acá les dejo la web:
Sebastián Chávez Peña
Mejillones, II Región de Chile.
